Teatro / Críticas (208)
Es un vomito. Lo lanzan con la misma violencia que sienten les llega desde afuera. Impetu que los constituye como sujetos anclados en un lodo que los domina. “Todo Piola” tiene la desmesura como ropaje. Es lo que habita a dos tios del conurbano bonaerense. Ellos hablan desde Caseros o desde Lomas. Están en el fondo. Son los Nadies de Eduardo Galeano. Lo saben. Pero eso no los posiciona en inferioridad. La humanidad que los habita es un fuego con la que combaten un sistema que los destruye. Con la misma nobleza que se debaten, es la misma dignidad con la que se presentan en el escenario. Están vestidos de futbolistas. Su hablar es unidimensional. Es llano aunque auténtico. No hay mas poética que el tormento que los corroe. No obstante no han perdido la frescura en su impronta. Desde su prisma canalizan y le ponen palabra a ese dolor que los domina. Esto aún siendo sustancial no es lo medular en la obra. Lo que “Todo Piola” posee como sustancia es la pureza con la cual la pieza se planta. En su dispositivo escénico el escenario desnudo, llena la pieza. Tanto como las sombras y ese mar de significados que genera. Tanto como esa música repetitiva que por momentos suena y que no es otra cosa que lo -justamente- repetitivo de sus días y que tanto los abruma. El imperativo ético que los sujeta es un grito en el desierto. Una tercera interprete canta (Guadalupe Otheguy). Lo hace con una elegancia y dulzura que le adosa a la obra mas vitalidad. La creación tiene en su espina dorsal un puzzle de temas tan variados, como sorprendentes y disparatados. Los cuerpos se mueven. Tanto como las ideas que exponen. La pieza abre a varios tópicos y por momentos pareciera que encalla pero el vigor actoral, la honestidad temática y la poética que la rodea la mantienen siempre indemne. Como esa que tienen arqueando sus cuerpos desnudos. O como la cuarta pared que destruyen en mas de una ocasión. Platea que es sacudida cuando los actores salten literalmente sobre ella. Es una obra brava. Bellamente incómoda por momentos. Estudiadamente exagerada en otros pasajes. La vida de estos chabones no es -precisamente- tranca. Es durísima. Tienen que ejectarlo. No hay otra. Están quebrados. Su desmezura si suena a mucho no lo es tanto como la vida que ellos representan y que esta ahí afuera pidiendo ser oída. Tanto como la risa que disparan en el público y este es un logro mayúsculo. No banalaliza el tema, pero se permiten sobrevivir con buena vibra a pesar de la aflicción que los gobierna. Estos dos estupendas performances (Carla Di Grazia, Eddy García), están arrojadas al escenario rompiendo las cadenas de una estado de situación que los tiene tan asqueados, como dolientes y su imperativo es gritarlo a los cuatro vientos.
By Hugo Manu Correa
Ficha técnico artística
Guión: Mariano Blatt, Eddy García, Gustavo Tarrío
Actúan: Carla Di Grazia, Eddy García, Guadalupe Otheguy
Vestuario: Cristian Bonaudi, Ana Press
Diseño de objetos: Agnese Lozupone, Eleonora Pascual
Diseño de luces: Agnese Lozupone
Fotografía: Agnese Lozupone, Eleonora Pascual
Arte: Agnese Lozupone
Diseño gráfico: Maxi Sosa
Prensa: Antonela Santecchia
Asistencia de escenario: Lola López
Asistencia de dirección: Virginia Leanza
Producción ejecutiva: Alejandra Menalled
Diseño de movimientos: Virginia Leanza
Dirección: Gustavo Tarrío
Sábados de noviembre a las 23.15 h en Timbre 4.
– México 3554 –
Precios: $400 general | $380 compra on line | $350 estudiantes y jubilados | $200 sub 28, alumnos Timbre4, Moscú y Camarín de las musas | $200 2x1 Club La Nación
Venta por alternativa teatral o en la boleterí
Tensos. Así están. Reactivos. Así se vinculan. Desconectados. A pesar de la fuerte vinculación.El ropaje urbano de estos cuatro personajes tiene sustancia al nihilismo como compañero, también la fragmentación interior y una la sustancia singular que articula sus universos: la ausencia mística. La orfandad que los habita se los come. En el mientras tanto se quieren -por eso se aporrean- aunque no sepan como transferirlo.
La obra de Lorena Romanin es un fresco post-moderno. Los cuatro protagonistas se vinculan horizontalmente. Se fagocitan entre ellos cual pacman devorando todo a su paso. La pirotecnia verbal es pujante. No hay verticalidad que les permita detenerse y anclarse para preguntarse que les pasa. La obra se corre de ese lugar y juega a ser circular. Como ese gigante rueda que los abastece y que al mismo tiempo actúa como interpelador del público. Aquí sucede algo paradójico y sustancial de la pieza: lo circular de sus tiempos no concuerda con esa flecha hacia adelante con que se concibe mayormente el tiempo en occidente. Ese concepto Maya (circular) sobre que el tiempos es cíclico no parecen advertirlo estos personajes en la construcción de sus subjetividades. Están disparados hacia adelante (flecha del tiempo) y nada los detiene a su paso.
Las situaciones son varias. Todas estan impregnadas por un "deja vu" reactivo. Desde la muerte de la abuela de uno de ellos o hasta el propio hospital al que deberán concurrir para saber el estado espiritual de su amigo. La sexualidad y el amor serán otros vórtices que tratan de “digerir” .Aunque en realidad es el paisaje desolado que los habita los que hace a estos mutantes urbanos tan subyugantes como interesantes.
La puesta de la obra pone al público como jurado. La cuarta pared tiene anclaje en tres sectores de donde situ a los “pasivos” concurrentes como intercomunicadores silenciosos de lo que allí acontece. Esto queda plasmado cuando los actores suspenden dispositivos escénicos como lo son la propia música y hasta en otros (repetidamente) miran a cuarta pared buscando complicidad.
La pieza funciona porque tiene un texto fluido, que esta bajado del lugar solemne aunque tampoco busca a ser cool. Sabe situarse en ese lugar de teatro alternativo, es decir, contar algo. Narrar algo actual, que nos pasa a todos, que nos deje algo pero que no dicte sentencia.
La obra tiene a dos actores (Salome Boustani y Marco Gianoli) que son el eje de la obra. Ellos sudan la cancha y son el agujero negro que engulle todo a su paso. Tienen brío escénico, fiereza actoral y matices con que pintan la pieza. Los surcos que generan a su paso son las huella por donde transita la obra. Por este sendero se suman sus otros compañeros (Guido Botto Fiora y Claudio Mattos) quienes bailan con presteza y buenas construcciones contribuyendo a la edificante obra. Los cuatro generan una oxigenada sinergia actoral cristalizando un sopor vincular que hace amigable, cercana y fluida a esta buena creación.
“Todo lo posible” posee elementos “menores” que elevan su espesura: el ritmo interior. La dirección (Lorena Romanin) eligió con sapiencia y elegancia salirse de situaciones que la podrían hacer encallar y que le restarían espesura. Este recurso la oxigena y le da una espina dorsal que es por donde la obra cabalga.
By Hugo Manu Correa
|
Funciones: Viernes 23:00
La Carpintería Teatro
Jean Jaures 858. Abasto. Buenos Aires.
Localidades $350
Entradas a la venta en Alternativa Teatral
|
|
Elenco: Marco Gianoli, Salome Boustani, Claudio Mattos, Guido Botto Fiora
Diseño de dispositivo escenográfico: Isabel Gual, Facundo Guerreschi
Realización de dispositivo escenográfico: Facundo Guerreschi
Vestuario: Lorena Romanin
Fotografía: Romina Pomponio
Diseño de luces: Diego Becker
Diseño gráfico: Mariana Rovito
Prensa y difusión: Romina Pomponio
Asistencia de dirección: Jimena Morrone
Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin
Duración: 50 minutos
|
Esta materializada en un lugar que los define cabalmente. La resbaladiza situación los gobierna y domina por completo. El desierto interior es tan enajenado como la distopia que los carbone desde afuera. Su edén es una tierra de lo imposible. Sueñan con una redención de un presente que se derrite a su paso a cada instante. Sin embargo, se debaten por una quimera en búsqueda de una redención que los deposite en un escenario mas amable que el que los "contiene".
Son tres mujeres. Están en un casa atiborrada de objetos. Se le suma un hombre que representa su redención. Otro hombre que es quien debe trasladar este potencial a los hechos aparece como un vendaval en escena. Los cinco personajes estaran enredados en una situación especial cuyo geométrico andar esta corrido de eje. "Alfa" esta narrada de manera no lineal poseyendo un sin fin de peripecias. Su ropaje es rugoso, bellamente complejo, oblicuo en su planteamiento y con una intensidad a prueba de balas. La composición de lo dicho es áspero. Lo no dicho (lo que sugiere) es robusto, fuerte y adquiere durante la pieza una poética vital para darte sustancia a la trama.
El hombre fértil llega con su "savia" a cuestas. Llega y repite el mecanismo ante una mujer tan sugerente como desprovista (aparentemente) de humanidad. La dueña de casa tiene un comportamiento errático, esquivo y difícil. La empleada descomprime el escenario disparatado como un rosario de acciones y decires que le da color a la acides. Un hombre llega a esta caudaloso río para darle aún oleaje a esta mar de pirotecnia verbal.
La pieza no quiere ser importante. Solo es una obra de teatro. En la búsqueda de su redención estas cinco personas (personificados por Marta Haller, Diego Quiroz, Mariana Cavilli, Valeria Roldan, Abian Vainstein) solo buscan encontrar su redención económica. La obra quiere entretener. Lo hace con elementos artísticos de una plasticidad y solvencia admirables. Dramaturgia (Felicitas Kamien) que solo muestra lo necesario. Es mucho lo que sugiere. Es fascinante lo que se generan entre todos los vínculos con una paleta de colores que es el pieza central de esta obra. La dirección (Felicitas Kamien) se apoyo fuertemente en este soporte para hacer navegar y que la pieza no encalle. "Alfa" es una pieza bellamente loca con una dulzura que enamora y esta tan fuertemente ensamblada que logra esa vitalidad propia del teatro. Es una nota musical bien cantada. Es un abrazo querido, sentido y bien dado. Es una obra con fuerza, honestidad artística y demuestra que el entretenimiento es (también) algo serio.
By Hugo Manu Correa
SINOPSIS:
El semen del hombre ha perdido su potencia fertilizadora.
En un mundo desolado donde cada nacimiento es vivido como un milagro, una mujer, su hija y la histórica empleada llevan adelante en la cocina de la casa, un endeble laboratorio de extracción, selección y venta de semen, con el que intentan subsistir y enfrentar las deudas que dejó Luciano, exitoso medico genetista y padre de familia, prófugo de la ley por las siniestras maniobras en el negocio de la venta de semen.
La aparición de lo posible como luz de esperanza que enciende y enceguece hasta el delirio.
Ficha técnico artística
Mariana Cavilli, Marta Haller, Diego Quiroz, Valeria Roldán, Abian Vainstein
Carolina André, Beto Bit, Federico Liss
Nacho Bartolone, Javier Daulte
Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
Mario Bravo 960 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar
Entrada: $ 400,00 / $ 200,00 - Sábado - 20:30 hs
Después de casa de muñecas de Lucas Hnath, dirigida por Javier Daulte en el Paseo la Plaza, retoma evidentemente el texto de Henri Ibsen Casa de muñecas. El abordaje a esta obra no pretende ser una adaptación de la misma sino una reflexión acerca del personaje de Nora 15 años después. Con una escenografía que emula un estrado, que simula un juicio, el de Nora, el/la espectador/ra puede ver desde dentro de la puesta o en las restantes butacas del Paseo La Plaza la posición que tomó la protagonista y el impacto que esto produjo en la que era su familia. La obra y su puesta no pretende posicionarse de un modo taxativo en la postura feminista sino que deja entrever y debate con el discurso patriarcal. A su vez los personajes y las personajes inmerso/as en el sistema del patriarcado se postulan como sujeto/as arrojado/as a la estructura. En este sentido no se demoniza la postura de aquello/as, sino que se la repiensa desde el viraje ideológico que propone una Nora renovada, dueña de su vida, profesional y escritora feminista. La puesta y las actuaciones de Paola Krum, Jorge Suarez, Julia Calvo y Laura Grandinetti brindan estos diferentes aspectos de la complejidad del paradigma reinante y de la crítica y avance del nuevo discurso. Claramente una obra necesaria y cuestionadora de estos tiempos
Ficha técnico artística
Autoría: Lucas Hnath
Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens
Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens
Actúan: Julia Calvo, Laura Grandinetti, Paola Krum, Jorge Suarez
Montaje: Jorge H Pérez Mascali
Diseño de vestuario: Ana Markarian
Diseño de escenografía: Julieta Kompel, Alicia Leloutre
Diseño de luces: Sebastián Francia
Audiovisuales: Milwatss
Stage Manager: Guido Losantos
Vestidores: Héctor Ferreyra
Fotografía: Alejandra López
Comunicación visual: Gabriela Kogan
Comunicación Digital: Bushi Contenidos
Asistencia de dirección: Guido Losantos
Productor asistente: Nicolas Kompel
Prensa: SMW
Producción gráfica: Romina Juejati
Producción ejecutiva: Javier Madou
Producción general: Pablo Kompel
Dirección de Producción: Ariel Stolier
Supervisión de sonido: Pablo Abal
Dirección técnica: Jorge H Pérez Mascali
Dirección: Javier Daulte
La soledad la consume. El hastío propio y de cuanto la rodea la desborda. Su ideario de vida se ha hecho trizas. Su dogma la tiene aprisionada. Solo se comunica con su madre quien con mas deportividad le hace slalon a la realidad que las rodea. La insistencia de su progenitora da resultados cuando la joven accede ir a una clase de un instructor de yoga. Allí comenzara la obra a interconectar un tsunami de situaciones que se arquean en el aire para armar un puzzle de situaciones tan disparatas como entretenidas.
“La Respiración” esta atiborrada de palabras. La pieza tiene su eje en dos placas tectonicas bien delimitadas. El dogma de una mujer sociedad costumbrista que es devorada por la angustia y la melancolía. Por el otro lado, ese costado que el positivismo de la sociedad contemporánea explota con la plasticidad de un orfebre: lo Pop- lo UP - lo de romper tabúes - de esconder la tristeza y-o tortedad - de la acción por encima de laintrospección-contemplación -
La obra de Alfredo Sanzol tiene una magistral destreza (dirección de Lautaro Perotti) - esa marca tal bien articulada y patentizada por Claudio Tolcachir-, que es la naturalidad en los diálogos. Son el hormigón de la obra. Los feroces y dinámicos escarceos en los vínculos con la palabra es la pieza central de la pieza en cuento al entretenimiento en si. Ese logro se admira por la destreza con que es articulado. La plasticidad interior con que se vinculan son los mastices propios que tienen las traisiciones que los gobierna en su interior. La obra tiene en este logro un brillo que no encandila, no enceguece, no empalaga. El logro esta en que alumbra.
La obra de poco mas de una hora de duración bien su poder en que ella ingresa a un espiral que poco a poco la va carcomiendo y travistiendo en su subjetividad. Terminará saltando por los aires todos sus tabúes que la tenían asfixiada. Lo sexual y el erotismo son los dos caballos que tiran de ella para vincularse con tres hombres que a su vez se se arquean con mucha destreza en este arte con otras mujeres.
La obra juega con esa deformación exagerada hasta el paroxismo para mostrar y poner en superficie de que va la sociedad actual. No emite juicio ni legisla. Solo lo muestra y en ese juego la pintura que recrea gana con creces dado que el artificio esta alejado de lo solemne. La obra no se instala en el lugar “importante” para hablar de ese retrato que es el estado de cocción en el cual esta la sociedad actual. Basta con mostrar. Basta con poner en superficie con que armas se defienden hoy en día un sector cada vez mas creciente de ella. Basta con “ver” lo que "no" muestra la obra para ver lo que enuncia.
La pieza es un fresco de esta sociedad en general en occidente. No obstante, tiene su epicentro en Bayres. Ciudad del vértigo por el vértigo mismo. Del parloteo constante. De esa pirotecnia verbal que divorcia al ser de su propio ente. De ese desquicio que se advierte en ella que habla con una inercia que contamina a personas tan estrelladas como dolientes de lo que les toca en suerte vivir. Personas que están fuera de eje. Que están por la banquina. Que son espectadores de su propia vida. Que caminan de manera oblicua su vivir.
Schopenhauer y Nietzsche coincidieron que en el hombre la razón, la subjetividad y laauto conciencia son fenómenos secundarios, ya que estos son gobernados por la pulsión inconsciente y su exigencia ciega de sublimación. Y esta sublimación encuentra su cauce en el hombre en el deseo erotico del cual es víctima. “La respiración”, pareciera poner sus velas para ese lado donde soplo el viento de tan geniales filosofos. Cierto o no, la obra tiene mucho de pulsión, de sublimación, de desparpajo, de desfachatez y de una altísima factura actoral. Todos estos elementos se condensan con solvencia dada la presicion quirúrgica de una obra que se disfruta como el mejor vino en un atardecer.
Hugo Manu Correa
Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Alfredo Sanzol
Actúan:
Mario Bodega, María De Pablo, María Fiorentino, Juan Guilera, Federico Liss, Julieta Vallina
Vestuario:
Cinthia Guerra
Escenografía:
Lautaro Perotti
Diseño de luces:
Ricardo Sica
Música:
Nicolas Benitez, Francisco Castro Pizzo
Fotografía:
Francisco Castro Pizzo
Asistencia de dirección:
María García De Oteyza
Prensa:
Marisol Cambre
Producción:
Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección:
Lautaro Perotti
Lo hizo de nuevo. Lo genera con la misma intensidad y con esa impronta tan furiosa que tiene aquello que es poético. Lo cautivamente sin embargo no es ello que de por si es genial. Lo que conmueve es que la pieza aún siendo la misma ha mutado por otra. Ha pasado un año y la obra emerge con una vitalidad que (te) desarma.
"Ninfa" va de 4 mujeres (Daniela Garcia, Pamela Melina Juri Dayan, Natali Lisman, Marisol Moreira), que no utilizan la palabra para desandar su furioso andar. La palabra, tan gastada, ¿para que usarla?. El vibrato que gritan los cuerpos es un cross a la mandíbula El paradigma con que el hombre ilustrado construye su realidad a diario queda en off side. Esa moral, que huele mal, esta fuera de esta pureza con la cual esta pieza esta construida.
La música (Dylan Lerner) pega en el pecho, abre un surco y por ese camino nos lleva de viaje. La textura es distinta a su génesis aun siendo la misma. O es al revés. Que importa. Lo que nos fascina es que esta joya te saca de ese parloteo que nos aturde a diario. Las cuatro fieras están sueltas y en su acecho golpean el barro y salpican-interpelan a cuanto rodean. En su viaje diario, o antropológico, nuestro ente es derretido y hace un stop a nuestro frenético andar. Nos lleva de viaje a un no-lugar y eso genera encantamiento.
Es admirable de esta creacion de Bianca Lerner la entrega física de las cuatro actrices. La dinámica de los vínculos es poderosa. El tránsito del espacio es vigorosa. La sinergia entre ellas tiene la carnadura de un tsunami.
En un momento de la obra esos animales nos miran. Ejectan con su solo mirar su bien planteado ecosistema. Nos abordan dejando al desnudo nuestra orfandad de amor, de ética y empatía. "Ninfa" esta habitada por una música sublime, que transporta a una profundidad hacia lo sagrado.
La obra tiene ojos que nos resetean el disco rígido. Tiene oido que nos llevan a percibir otras texturas. Posee olfato que nos sumerge en otras capas que antes no acudían a nuestro encuentro. Esta habitada por sabores que nos impactan por un blend de sensaciones. Aunque por sobre todo tiene piel, acaso el órgano mas importante. Ese que nos cubre y conecta con el interior y exterior. Ese que nos pone la dermis porosa y la epidermis que se conecta con cada molécula del cuerpo. Esta gema posee una eternidad cobijada de frenesí y que nuestro ser agradece. Sentidos a todos vapor...
By Hugo Manu Correa
Ficha técnico artística
- Autoría:
- Bianca Lerner
- Intérpretes:
- Daniela Garcia, Pamela Melina Juri Dayan, Natali Lisman, Marisol Moreira
- Vestuario:
- Rodrigo González Garillo
- Escenografía:
- Rodrigo González Garillo
- Diseño de luces:
- Javier Drucaroff
- Grabación De Sonido:
- Velozet Studio
- Música original:
- Dylan Lerner
- Fotografía:
- Adan Jones
- Asistencia Coreográfica:
- Natali Lisman
- Asistencia de dirección:
- Salomé Bazán Rochaix
- Producción:
- Daniela Garcia
- Dirección:
- Bianca Lerner
Este espectáculo formó parte del evento: Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017
Clasificaciones: Teatro, AdultosESPACIO SÍSMICO
Lavalleja 960 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4776-3490
Web: http://www.facebook.com/espaciosismico
Entrada: $ 200,00 / $ 180,00 - Domingo - 19:00 hs - Hasta el 30/09/2018
Carmen es madre y abuela. Hace muchos años que busca a su hija y a su nieta. Ella seguirá buscando, pero ¿hasta cuándo? Hoy nos reúne y nos interpela para cedernos su legado, "porque allá afuera, en otras calles, donde caminan otras personas, tal vez haya alguien que sepa algo"
El legado es una historia de ficción inspirada en hechos y testimonios reales.
Nominación Premio Estrella de Mar 2018 en el rubro Unipersonal.
Premio Estrella de Mar 2018 Actuación Protagónica Femenina de Drama. Merceditas Elordi
Mención Especial Premio Vilches 2018 otorgado por la Secretaría de Cultura de General Pueyrredón.
Distinción de la Defensoría del Pueblo de General Pueyrredón 2018
Premio "Derechos Humanos en Escena 2018" otorgado por la Secretaría de Derechos Humanos de General Pueyrredón.
- Autoría:
- Merceditas Elordi
- Actúan:
- Merceditas Elordi
- Diseño de vestuario:
- Silvina Zorzoli Carrasco
- Diseño de escenografía:
- Edgardo Aguilar
- Diseño de luces:
- Edgardo Aguilar
- Realización de escenografia:
- Edgardo Aguilar
- Fotografía:
- Marcelo Nuñez
- Diseño gráfico:
- Paula Carranza
- Asistencia de dirección:
- Mariana Carranza
- Prensa:
- Georgy Burgos Funes
- Dirección:
- José Toccalino
- SALA EL ÓPALO
Junín 380 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4951-3392
Web: http://elopaloteatro.blogspot.com.ar/
Entrada: $ 200,00 / $ 180,00 - Sábado - 22:00 hs
Distinta. Original. Sin pose. Con el coraje como bandera. Con la fuerza de aquello que esta soterrado y debe ser puesto en superficie. ¨Conejo blanco, conejo rojo¨, es el grito de un poeta que de manera metafórica narra el sopor que se ha colado en sus huesos, sangre y en su alma.
LINDA DE DIA
Dramaturgia y Dirección David Páez
Estreno para Público y Prensa: viernes 16 de marzo a las 21hs
Funciones: viernes 21 hs
Teatro: Espacio Tromvarte
Dirección: pasaje Santa Rosa 5164
Precio de entrada: $200 / Estudiantes y jubilados: $150
Reservas:
O por www.alternativateatral.com
Seguinos en Facebook:facebook.com/
Sinopsis:
Cuatro actrices en un gimnasio buscan ponerse en forma para poder pertenecer a un mundo que las obliga a seguir ciertos cánones de belleza. La competencia, la envidia y sus miedos las obligará a descubrir las mentiras y sus lugares más oscuros.
Linda de día reflexiona sobre la problemática de la mujer en el mundo del trabajo. El universo de los castings, tomado como metáfora para poder hablar sobre la mercantilización de la imagen, la formatización de los cuerpos, la obsesión por la alimentación, la necesidad de ser aceptadas y el deseo de pertenecer a un grupo selecto impuesto por un estereotipo.
Ficha artístico técnica:
Actúan: Agustina Pons, Camila Hierro, María Victoria Pierre, Virginia Flammini
Diseño de escenografía y vestuario: Paula Picciani / Coreografía: Agustina Pons/
Diseño de luces: David Páez / Producción: Linda de día / Fotografía: Paula Picciani/
Diseño gráfico: Luciano Insolia/ Prensa y Difusión:Simkin& Franco / Asistencia de dirección: Jazmín Gamalero Rosas / Colaboración en Dirección: María Viau.
Dramaturgia: David Páez / Dirección y puesta en escena: David Páez
Agradecimientos: Ariel Pérez de María, Julieta Moras, Maximiliano Méndez, Maximiliano Forbice, Quique Pierre, Espacio Tromvarte.
Sobre la dramaturgia:
La dramaturgia nace a raíz de varias charlas y problemáticas de las actrices en el mundo de los castings. La competencia en el campo laboral, la envidia, los sueños frustrados y el deseo de lograr sus objetivos, el momento consciente o inconsciente en que decidieron ser actrices, la mirada externa sobre la mujer y fundamentalmente la mirada que tienen de ellas mismas.
Esto nos llevó a varios interrogantes: ¿Cómo es recibir un “no” todos los días cuando vas a buscar trabajo? ¿Estamos predestinados a la profesión que elegimos?
La actriz/actor busca ese pequeño instante de felicidad que lo haga encontrarse en ese momento único e irrepetible donde todos esos momentos de frustración tienen sentido por el solo hecho de lograr vivir de lo que ama.
Sobre la dirección:
La dirección elige como punto de partida un gimnasio, donde cada personaje intentará llevar a cabo su rutina para ponerse en forma. De esta manera nos encontramos con el paralelismo de la construcción de una imagen universal de “belleza”.
El ritmo como parte fundamental de la puesta, nos sugiere el mundo vertiginoso en el que viven estas actrices, trazando una línea particular en la que todos podemos generar empatía, ya que todos somos cómplices de esta ansiedad que nos somete a vivir alienados.
Nota:
Detenerse un instante y preguntarse ¿que estoy haciendo?, ¿estoy logrando lo que quiero, o simplemente me estoy dejando llevar por lo que supuestamente debo ser?
La vida es un juego en el que todos estamos metidos, ¿pero sabemos las reglas?
Sobre David Páez
Es actor, director, dramaturgo y docente de teatro. Se formó como actor con Raúl Serrano, Javier Daulte, Guillermo Cacace, Raquel Sockolowitz (clown y máscara neutra) y en impro con OskiGuzman. Trabajó en diversas obras como actor con directores como Daniel Suarez Marzal (Con el que trabajo en la Obra LA TORMENTA, NOMINADA A 4 PREMIOS ACE Y A LOS MARIA GUERRERO)También trabajo con Tony Lestingi,Corina Fiorillo, Pepe Cibirián Campoy, Julio Picker y Pedro Asquini con el que ganó el premio a mejor obra de teatro Off.
En este momento es parte del grupo Caníbal, donde trabaja como actor en “Una furia patria” de Andrés Binetti dirigida por Mauro Molina.Durante 2017 “Una Furia Patria”Realizo una gira Europea declarada de interés cultural por el ministerio de La Nación y participo en diversos festivales europeos, nacionales y latino americanos. Galardonada como mejor obra de teatro en el festival Fauna de la U.N.A
Trabajo en diversos programas de TV “Por amarte asi” “Los Ricos no piden permiso” “Amores de historia” “El Pacto” Un Cortado (Rol Protagónico) "Señor y señora Camas","Mal Parida" "Casi Ángeles" Bella y Bestia" " Por Amor a vos" " La niñera""Culpables de este amor"...Y En cine con roles protagónicos en “Mi vecino Ruidoso” (Premio mejor actor en el festival de cine del poder judicial de buenos aires) “Ruptura temporal” (Cortometraje ganador de Project film 48hs)“Convulsionados” “Nocturnos”, “Recoleta”, “ La ultima foto ” (Premio mejor actor New York), “Más allá”.
Sus últimos trabajos como director fueron “Linda de día” “El ensayo de los oprimidos” “Intensah” “Hostel, la difunta Modesta” “Boquete” “1978” “Subte, un viaje…” “La deuda”, “Infocaos” (obra declarada de interés cultural por el Gob. de CABA), “Magneticus”, “La Perinola”, “ La muerte del señor Smith” "Hermanos" . Próximos estrenos:“Quizás mañana no este…”Es director de la escuela de teatro E.L.A.E
Más...
Correspondidos por el amor. Correspondidos por el tiempo análogo que los habito. Correspondidos por sus Correspondencias. Abastecidos del continente que los habita-ba. Ese que habla de un ropaje donde la pasión no tenia mácula. La palabra canaliza el brioso río que circundaba sus seres. Decires que enuncian a almas cabalgando cual corcel embravecido. Sus tórridos amores tenían desmesura, eran presa de arrebatos locos, poseían esa savia los tenia tan desmesuradamente vivos. Tanto como esos poemas y cartas, cual duendes, que nos salen al cruce humedeciendo ojos, provocando admiración y un frío en la piel.
Correspondencias, se presento en el CCK el ciclo Correspondencias, con las actuaciones de Ingrid Pelicori, Horacio Peña. Ciclo que cuenta con música en vivo de Carlos Veliz (violoncello) y Eduardo Riguetti (flauta y trompeta) y composición de Rubén Ferrero, el espectáculo cuenta con selección de textos de Ingrid Pelicori y dirección y producción de Daniela Lozano.
La propuesta tiene en su envoltorio la desnudez con la cual hablan los intérpretes a cuarta pared. El ropaje que habita a los actores para tan sublime acto esta habitado por tan nivel de interiorizacion desde la cual hablan que conmueve. Ellos están allí y al mismo tiempo no lo están. Se han ido de viaje a esos lugares que habitaron a tan excelsos seres que siguen siendo faros en nuestros días. Es de un encantamiento el mar que se desatan y que conducen a buen puerto que origina emociones que desbordan al recinto.
Los textos no son poemas amilanados y escritos al borde del precipicio del frenesí. Son cartas que unos chavales con cierto río intelectual escribieron para exorcizar ese demonio llamado amor que los desbordaba. Canalizados en palabra, sus emociones huelen a sangre en ebullición y a almas asaltadas por un torrente embravecido.
La obra de cuenta de como la carnadura humana logro dar rienda suelta a cartas sublimes, épicas, solemnes y otras con que despierta una risa espontánea. Hablamos de tíos como Jorge Luis Borges, Roberto Arlt, , Silvina Ocampo, Adolfo Bioy Casares, Alejandra Pizarnik, Julio Cortázar, Delmira Agustini, Pablo Neruda, Alicia Urrutia, Juan Rulfo, María Guadalupe Cuenca a Mariano Moreno, Simón Bolívar, Napoleón Bonaparte, Mariquita Sánchez de Thompson, Domingo Faustino Sarmiento, Rosa Luxemburgo, Karl Marx, Simone de Beauvoir, Sartre, Anaïs Nin, Henry Miller, Franz Kafka, Edith Piaf, Marcel Cerdan.
Ingrid Pelicori, es el prisma por el cual la luz desparrama toda la gama de colores de esta hermosa pieza. La perfección técnica es soberbia. Su andar abastecido por lo simple domina la escena. Lo suyo no posee sobre-actuaciones ampulosas. Ella esta habitada por el frenesí de cada sentimiento que geniales personajes dieron cuenta en cartas cautivantes, humanas, cercanas, y que tan explendida interpretación logra atraparnos. La manera elegante, dulce y con la impronta de la propia poética que la habita logra empaparnos. Su compañero Horacio Roca se sube a ese lugar alto de la tarima y edifica también un fuerte oleaje con su interpretación, entrega y calidez que trasmite encantamiento.
La puesta esta arropada por esa luz que alumbra la propia luz y que es la penumbra. Este elementos es constitutivo de la pieza. Le da una estructura que todo lo envuelve y que posiciona a estos juglares en un lugar tan simple como encantador. Como un velo rodea a interpretes y publico para arroparnos y despojarnos del barniz urbano que es lo frenético, las pulsiones indómitas y el traqueteo que nos domina a diario.
Como un tul esta hermosa propuesta nos envuelve a todos y desde allí nos invita a despegar en dirección a un continente que esta allí nomas. Se encuentra en una dimensión paralela. Esta pegada a esa otra piel debajo de nuestra propia piel. Ella siempre espera a ser abastecida por el mejor beso del cual ser insuflado nuestras almas: se trata de la poesía o por palabras que den contorno a nuestra poética, lo cual es lo mismo. Siempre un poema es el mejor pasaporte para visitar a nuestro espíritu.
Correspondencias habla de amores, es decir de dolores, del mas hermoso via crucis que pasamos en este recreo que es la vida. Habla de tormentos, de pareceres, habla de la vida intima vivida desde la intimidad. Esta sutil pieza habla de la desmesura de amor, esa amarga miel que siempre golpea a nuestra puerta. Ese que que nos lleva de viaje en terrenos resbaladizos para que ya nada vuelva a ser igual.
By Hugo Manu Correa
Correspondencias 1
"Una carta -dice Marina Tsvietaieva- es una forma de comunicación fuera de este mundo, menos perfecta que el sueño, pero sujeta a sus mismas leyes. Ni la carta ni el sueño se dan por encargo: se sueña y se escribe no cuando nosotros queremos, sino cuando ellos quieren: la carta ser escrita y el sueño ser soñado".
Lectura de textos en vivo: Ingrid Pelicori, Horacio Peña.
Música en vivo y composición: Rubén Ferrero.
Carlos Veliz, violoncello
Eduardo Riguetti, flauta y trompeta
Selección de textos: Ingrid Pelicori
Correspondencias de Jorge Luis Borges, Roberto Arlt, , Silvina Ocampo, Adolfo Bioy Casares, Alejandra Pizarnik, Julio Cortázar, Delmira Agustini, Pablo Neruda, Alicia Urrutia, Juan Rulfo, María Guadalupe Cuenca a Mariano Moreno, Simón Bolívar, Napoleón Bonaparte, Mariquita Sánchez de Thompson, Domingo Faustino Sarmiento, Rosa Luxemburgo, Karl Marx, Simone de Beauvoir, Sartre, Anaís Nin, Henry Miller, Franz Kafka, Edith Piaf, Marcel Cerdan
Diseño de luces: David Seiras
Diseño Gráfico: Federico Sellanes
Dirección y Producción: Daniela Lozano
Cuatro. Cuatro pacientes. Cuatro pacientes que padecen. Cuatro pacientes que padecen la desmesura de una vida vegetal. Ellos están encerrados en cuerpos que no responden a sus comandos pero si por el silencio de sus voces. Se presentan mudos a cuarta pared que suena a un grito desesperado.
"Los Pacientes" son monitoreados por una enfermera (Vanesa González), quien es la punta de lanza de la obra. Ella los cuida. Los lava. Está pendiente de ellos. Su vestuario de blanco reluciente junto con la mecánica rígida de su cuerpo marca el pulso de la metálica obra.
Un mantra teatral dice cuando se refiere al dispositivo escénico muchas veces menos es más. Aquí podríamos decir que ocurre lo contrario. Más es más. La puesta en escena postulo una inmensa habitación con varias camas. Separadores de ellas para conservar la intimidad. Un lugar minúsculo donde una enfermera realiza sus trabajos químicos y de laboratorio en absoluto silencio. Detrás de la propia habitación otro facultativo báscula entre análisis y el rompimiento que pone a la obra su otra tarea de DJ
La disección de estos dispositivos es el lenguaje de la propia obra. Es como una metáfora que se adueña de estos ángeles caídos que subsisten en un lugar tan aséptico como vacío y nihilista. Ese ecosistema con sus propias leyes en dinamizado y unido por el caminar constante de la enfermera quien mantiene el ritmo interior de la pieza. Ella habla a cuarta pared con postulados en clave disertante, que poco importan lo que dicen, a todos imperativos y solemnes discursos los une el desierto con el que su espíritu ha sido colonizado.
Lo que atrapa de esta muy buena propuesta es el ropaje de varias capas que tiene relato. En ella la iluminación, las frases lumínicas en la pared en clave 2.0, y la música subyugante son autopistas por donde la creación viaja. Allí está la prenda de la propia obra que nos habla de cuerpos desenfocados. En forma violenta y que como una suave niebla la mecánica sub-sistencia los ha ecualizado en carne y espíritu.
"Los Pacientes" es una pieza dura, oscura, criptica y al mismo tiempo tiene coraje, poética y alto estándar artístico. La pieza con autoria de Ana Rocío Joul está dotada de mucho trabajo. El lenguaje escenográfico (Los escuderos y Federico Conde), lo verbalizado, sumado a la plasticidad de los cuerpos tiene un ropaje que cautiva, seduce y entretiene. Visualmente lo espeso del tema tratado esta notablemente envuelto por una habitación de color verde agua y sumado a un vestuario mayormente blanco y con la música de suspenso por un lado y la de DJ por el otro, le da aun mas carnadura y por el otro la aliviana y descomprime del atávico mensaje.
Este último elemento es un recurso que condimenta con brío la propuesta estando allí una mirada política no menor. Podría inferirse que en esta época donde el centro de la vida ya no pasa ni por el cosmos, ni por la naturaleza, sino por el propio hombre, la música le brinda un matiz que cautiva y al mismo tiempo que acompaña sin invadir. Elemento que lo único que hace, cual narcótico, es tenernos bien anestesiados y lejos de esos seres análogos que somos. Este elemento hace visible, junto a toda una estupenda creación, que el ser humano como ente es fácilmente sustituido por existencias que desde afuera diseñan nuestras vidas.
Otro condimiento notable es la factura lumínica (Daniela García Dorato). Durante todo el recorrido genera texturas diversas generando climas diversos y envolviendo tanto a los personajes como a los temas abordados con la suavidad y calidez de quien maneja un pincel para cincelar la obra.
A su vez un ítem a considerar de la obra dirigida por Laura Conde, es que quizás unos minutos menos de recorrido (su extensión ronda la hora y media), le aportaría más espesura e impacto. No obstante la obra no pierde el valor, riqueza ni brillo.
Un apartado muy especial que merece subrayarse es que “Los Pacientes”, dado su alto contenido artístico y que la puede depositar sin perder su brío en un género televisivo, cinematográfico, o el universo de internet. En tiempos de tanto rio digital la obra podría navegar allí sin perder su sustancia y valoración.
La sapiencia de la obra radica que equilibro dándole un aire más respirable con la aparición de una niña (Angelina Casco Guiñazú), plena de carisma, docilidad y plasticidad en su cuerpo. Su aparición algo espectral impacta, para luego con sonrisa y sinergia le brinda otro sopor a la pieza. Al mismo tiempo la obra pareciera decirnos que es una posibilidad que las tres generaciones allí presentes están o estarán unida, más tarde que temprano, por la cocificante que significa "vivir" en este lugar del universo.
Vanesa González como eje central de la obra logra un trabajo que es un deleite. Su tránsito automatizado en el espacio es de una presición quirurgica. Este logro coreográfico, condensa cual metáfora el mensaje de la pieza. Su vibra actoral es de fuste y el tamiz que hace emerger su humanidad en la humectación de sus ojos es admirable. El resto del elenco acompaña con aplomo y solvencia.
Temas tan fuertes, huracanados y dolientes son habitados por un mar de preguntas que interpelan al espectador. Allí radica otro gran valor de la propuesta que tiene en su nomenclatura de palabras y en el espíritu que la moviliza una brisa de cierta carga de ciencia ficción. "Los Pacientes" no es sentenciosa, maás bien apuestea a ser descriptiva. Como el mar de grafitis que espuelas la obra en clave filosófica y el océano de reflexiones que la habita.
By Hugo Manu Correa
LOS PACIENTES
Intérpretes:
Vanesa González (Enfermera)
Mr. Miguelius/Javier Bustos (Farmacéutico)
Roberto Dimitrievitch (Paciente)
Stella Maris Isoldi/ Jorgelina Martínez D'Ors (Paciente)
Liza Rule Larrea (Paciente/médica)
Pablo Emilio Bidegain (Paciente/médico)
Angelina Casco Guiñazú (Paciente)
Paula Coton (Técnica en diagnóstico de imagen/Performer
Diseñadora de vestuario: Laura Staffolani
Creación coreográfica: Eleonora Comelli, en colaboración con los intérpretes
Asistencia de escenografía: Vanessa Giraldo
Realización escenográfica: Los Escuderos y Federico Conde
Caracterización: Laura Barracchia, Agustina Tagle y Paula Conde
Diseño sonoro: Miguel Rausch y Mr Miguelius
Asistencia de dirección: Daniela García Dorato
Producción ejecutiva: Camila Castro
Asistencia de producción: Ana Paula Figuerero
Diseño gráfico: Pablo González
Prensa: Débora Lachter
Fotografía: Daniela García Dorato y Wily Poch
LOS PACIENTES
Funciones: Sábados de octubre y noviembre a las 23.00
El Portón de Sanchez- Sanchez de Bustamante 1034
Localidades $200
Están en un living ambientado con indisoluble postura vintage. Paisaje que se camufla en sus cuerpos y almas. Su platica a cuarta pared es de tal dulzura en su docente hablar, que logra perdernos en ese ecosistema paralelo con el cual vivencian sus vidas.
Ese lamina sutil que los atraviesa es por donde la pieza hace su apuesta. Desde allí es por donde sus entes dan rienda suelta a un universo despojado del ser objeto con el cual la post-modernidad están aplanando sus miradas. La musica que oyen a placer a destajo, como un collage del imaginario colectivo, es el elemento constitutivo que los alimenta. Tanto como la ropa que viste los duendes que los habitan.
¨Los Imitadores¨, reparan a Freddie Mercury, Sandro y un cuadro elástico de artístas consagrados de la música de aquí y de allá. Lo admirable de su arte es que en sus artificios solo quieren ser ellos. El artificio no tiene plástico. Un aire nostálgico, puro, ingenuo y de otras décadas recorre el ámbito.
El rasposo silencio con el cual conectan cada retazo de la pieza, es una muestra cabal de la pureza colosal de la obra. Mientras juegan como infantes nos perdemos en esa campiña que con tanta personalidad construyen. En su ropaje no hay costura. No hay dobladillo. Todo esta a la vista.
El ritmo interior de la obra juega a romper el confort colonizante que posee mayormente las narraciones de la sociedad de consumo. El relato de desmarca fuertemente de la estética del relato masticado y provisto de atajos varios.
Macarena Orueta (idea y dirección), eligio la fuerte carga subjetiva donde ellos juegan. Son asi. No quieren ser otra cosa que ellos mismos. Juegan a emular pero con la costura de su fuego interior. No buscan ser lo que no son, aun en la propia imitación que los viste. El remolino con el cual la obra planta su mástil allí esta. Ese es su valor. Alli esta su égida.
Los actores tienen ejes internos bien diferentes, pero en la gramatica de sus cuerpos, se conjuga el perfecto vinculo de unos con otros. Sin este condimiento la pieza naufragaria. La estatura actoral de Gabriel Reich y Gustavo Slep es solida, convincente y disfrutable.
No obstante, el magnetismo de Astrid Gómez Grosschadlel y el carisma con el cual transita el espacio es portentosa. La vibra venenosa de sus desplazamientos y la belleza que la gobierna, transforman a su performace en la gema de la obra. Es cautivante ver el embrujo de movimientos tan bellamente construidos. Es una mezcla de cobra enardecida, tigre enjaulado y ese timing boxistico en plena fajina.
En el imperio de la simulación que rodea occidente y con el espejo de jugar a ser otro como norte, ellos solo imitan su sueño y lo buscan con una frescura que ilumina. Tajantemente se desmarcan de aquello que no les sea propio. Lo suyo tiene visceras, poética y personalidad. Lo que dicen lo manifiestan en su pequeña isla pero suena a todo un hemisferio. Lo suyo es un manjar que se disfruta con el sabor de aquello nunca antes fue probado. En boca sabe a algo delicioso, noble y con la originalidad como toque final.
By Hugo Manu Correa
LOS IMITADORES
Ficha artística-técnica:
Interpretación y creación: Astrid Gómez Grosschadl, Gabriel Reich y Gustavo Slep
Diseño de iluminación: Agnese Lozupone
Asistencia de iluminación: Juan Carzoglio
Diseño escenográfico y diseño de vestuario: Estefanía Bonessa
Fotografía: Muma Casares
Musicalización: Pablo Novella
Diseño gráfico / Community manager: Fermín Kalesnik
Diseño de caracterización: Analía Arcas
Realización de vestuario: Patricio Delgado
Asistencia de dirección: Sebastián Daniel Orueta
Asistencia de puesta en escena: Julia de la Torre
Colaboración artística: Daniel Tur y Vivi Fiorito
Tutoría: Andrea Servera
Producción general: Juan Noodt
Idea y dirección: Macarena Orueta
Estrenos del Festival de la Bienal – Bienal en escena
Durante el Festival de la Bienal se realiza el estreno simultáneo de las obras producidas con financiamiento y acompañamiento de la Bienal, cada obra realiza 5 funciones entre el 25 de septiembre y el 1 de octubre y desde el lunes 2 de octubre comenzarán sus temporadas en el ciclo Bienal en escena. Las obras son: Los imitadores, de Macarena Orueta, en Abasto Social Club; El canto invisible, de Juan Cruz Forgnone, en TIMBRe4; Ninfa, de Bianca Lerner, en ElKafka Espacio Teatral; Ruido Blanco, de Franco Calluso, en Beckett Teatro; Jet Lag, de Ezequiel Salinas e Ignacio Tamagno, en ElKafka Espacio Teatral; Anomalía, de Valeria Polonera, en El extranjero; Mamá está más chiquita, de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira con dirección de Andie Say, en Teatro La Comedia; No me digas, que ya sé, de Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero, en Teatro Picadero.
Funciones Bienal en escena
Domingo 20 h | Abasto Social Club, Yatay 666
Entrada general: $180
Descuento 2 x1 para sub 32 y para quienes tengan una entrada de otra obra de Bienal en escena
Entradas: Click
(Hasta el 10 de diciembre)
Bio de Macarena Orueta
Nació en el conurbano bonaerense y se formó en
Sobre la Bienal:
Los objetivos centrales de La Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.
Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
W: buenosaires.gob.ar/labienal
Fb: /LaBienalBA
Tw: @LaBienalBA
In: /labienalba
Ninfa tiene tal voracidad que en su volcán nos perdemos. Lo inescrutable de su envoltorio nos llena de frenesí. Lo subyugante de la corporeidad que la atraviesa es colosal. El manantial de música que conforma su estructura dorsal nos lleva de viaje y en su sinapsis nos vaciamos.
Esta gema teatral está ausente de palabras. Las cinco bellas jóvenes (Natali Lisman, Pamela Melina Juré Dayan, Daniela García, Fabiana Paisani y Marisol Moreira), que conforman la manada, se vinculan con la fiereza que da el agudo olfato, un mirar que ve y el puro instinto que marca sus pulsos. Lo salvaje esta deshabitado de la construcción humana. No hay mácula a la vista. La oscuridad las envuelve como un manto en la cual el acecho que las habita condensa una floreo sin más verdad que lo bello.
Bianca Lerner (dramaturgia y dirección), junto a Dylan Lerner (música original), conforman en esta obra un tándem soberbio. El entrelazamiento de ambos soportes ideo una joya teatral que disuelve nuestro intelecto. La mente desarma su músculo proteico llamado ego y sucumbe ante el manantial que siempre es la poesía.
Lo embriagador de la pieza es que desarma etiquetas. Derrite las palabras. El pacman que nos alimenta a diario para darle sustento a nuestro ente y su vínculo con nuestros semejantes se derrite. La cautivamente creación evidencia que la fragmentación cientifica del mundo Aristotélico se queda sin invicto.
La obra que promedia la hora de duración, pareciera no estar habitada por aquello que nos marca el pulso en nuestras vidas y que es el tiempo. El pasado nunca estuvo, el futuro no llegara y el presente no se presenta. Ninfa está habitada por la eternidad que siempre conforma la danza que baila el universo. Lo sublime es su mantra. Lo pulcro es lo mágico que le da soporte.
La corporeidad tiene tan perfecto ensamble siendo como lobos bajo el manto de la luna que las acecha. El romance que se profesan ante el imperio de la noche es tan fascinante como la ferocidad del amor que las habita.
Søren Kierkegaard padre filosófico del existencialismo, dijo que el ser humano no es otra cosa que una masa corpórea, llena de psiquismo bajo el soporte del espíritu. Esta espléndida creación de Bianca Lerner parece espejarse en esta excelsa mirada del famoso hombre danés.
By Hugo Manu Correa
NINFA
Ficha artística-técnica:
Dirección: Bianca Lerner
Autoría: Bianca Lerner
Asistente de dirección: Salomé Bazán Rochaix
Producción: Daniela García
Intérpretes: Natali Lisman, Pamela Melina Juré Dayan, Daniela García, Fabiana Paisani y Marisol Moreira
Asistencia coreográfica: Natali Lisman
Música original: Dylan Lerner
Grabación y sonido: Velozet Studio
Foto: Adán Jones
Diseño de luces: Javier Drucaroff
Escenografía: Rodrigo Gonzales Carrillo
Vestuario: Rodrigo Gonzales Carrillo, Pieles ROXY
Sobre la obra
Los tapados de piel de una abuela fallecida fabricados por su esposo peletero en un barrio del conurbano de Buenos Aires, son el disparador de este mundo onírico y bestial. Luego de estar años guardados en el ropero, estos tapados se resignifican en el cuerpo de cinco mujeres que pierden su silueta para adentrarse en una fisicalidad entre animal y humana.
Ninfa nos propone el fragmento de un mundo particular, con sus criaturas, su corporalidad, su tiempo, sus sonidos, texturas y relaciones. A través de un tratamiento rítmico y un lenguaje que se mantiene híbrido y latente, Ninfa nos habla de lo civilizado y de lo salvaje, de lo bello y lo horrible, lo sexual, lo permitido, lo inhibido, lo incivilizado, lo pulsional.
Cinco mujeres que se sumergen en el proceso de mudar la piel en búsqueda de lo individual y de lo primario que luego resuena en lo grupal, en la manada. La puesta en escena de una femineidad dudosa, contrariada, rasposa, voraz. Nos recuestiona sobre la mujer en su límite sutil con lo animal, con ese impulso velado, con aquello que ha sido descartado.
La muerte yace por debajo, omnipresente sin discursarse, aunque sí empapando el paisaje de ese tiempo orgánico, espeso, deliberadamente lento que nos transporta a un universo poético de imágenes casi mitológicas y eminente belleza.
Estrenos del Festival de la Bienal – Bienal en escena
Durante el Festival de la Bienal se realiza el estreno simultáneo de las obras producidas con financiamiento y acompañamiento de la Bienal, cada obra realiza 5 funciones entre el 25 de septiembre y el 1 de octubre y desde el lunes 2 de octubre comenzarán sus temporadas en el ciclo Bienal en escena. Las obras son: Los imitadores, de Macarena Orueta, en Abasto Social Club; El canto invisible, de Juan Cruz Forgnone, en TIMBRe4; Ninfa, de Bianca Lerner, en ElKafka Espacio Teatral; Ruido Blanco, de Franco Calluso, en Beckett Teatro; Jet Lag, de Ezequiel Salinas e Ignacio Tamagno, en ElKafka Espacio Teatral; Anomalía, de Valeria Polonera, en El extranjero; Mamá está más chiquita, de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira con dirección de Andie Say, en Teatro La Comedia; No me digas, que ya sé, de Matías Prieto Peccia, Mariel Velez y Vanesa Butero, en Teatro Picadero.
Funciones Bienal en escena
Jueves 21 h | ElKafka Espacio Teatral, Lambaré 866
Entrada general: $180
Descuento 2 x1 para sub 32 y para quienes tengan una entrada de otra obra de Bienal en escena
Más información: Click | Entradas: Click
Trailer: Click
(Hasta el 7 de diciembre)
Bio de la directora:
Bianca Lerner es bailarina, coreógrafa y percusionista. Ha terminado de cursar la carrera de Licenciatura en Composición Coreográfica con Mención en Danza Teatro en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Se ha formado con reconocidos maestros en danza, composición y música. Fue integrante de la compañía de percusión "El Choque Urbano" y hace 10 años que desarrolla una intensa actividad con su proyecto "Círculos de Tambores" dictando talleres y formaciones tanto en Argentina como en otras partes del mundo. Dedicada a investigar, crear y producir constantes cruces entre el cuerpo y el ritmo.
Sobre la Bienal:
Los objetivos centrales de La Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.
Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
