Teatro / Críticas (208)
Se planta desde el mismísimo comienzo con una postura que inmanta. Lo que cuenta lo narra con la estatura de quien sabe de lo que habla. Lo dice con la bravura de alguien que siente furia en sus venas. Lo suyo no es una pose. Vaya que no lo es. Mamita, vocifera literalmente en voz, cuerpo y espiritu. Su mantra es una poderosa arma para exfoliar etiquetas en el imaginario social con el cual la mujer ha sido colonizada. De aqui y de ella el genero ¨debil¨, se debate ante un cumulo de situaciones que han llevado por un derrotero de extravíos varios: mujer objeto, banalidad, subjetividad artificial, tabúes varios, y un largo etc. Mamita es una obra de danza que entretiene y subyuga. Lo hace por su dinamismo, por lo versátil y por lo original de la propuesta. Las microescenas conjugan esa mujer conquistada por imaginarios de plástico y llenos de vacío. La mujer en un tupper es una muestra cabal del empaquetamiento del cual va la pieza. La obra comprime asi de manera contudente el núcleo atávico de la estupenda creación. Sol Gilgori propone en su manifesto una escaleta en la cual la exageración es la norma. Esta…
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¨La esperanza es el peor de los males, pues prolonga el tormento del hombre¨. Friedrich Nietzsche La reseña de la obra da cuenta que “Clarividentes”, va sobre el caos, la incertidumbre y el deseo. Vaya si lo es, y de qué forma. Javier Daulte (dramaturgia y dirección), tira el mantel de la mesa y nada queda como era entonces. Tsunami de palabras. Situaciones místicas, bizarras y patéticas manipulan a todos los personajes que deambulan sin horizonte claro a la vista. La maremoto no necesita estar demasiado a la vista para entenderse. De ello va la historia. Juega a confundir y en ese naufrago uno tiene poner las velas en dirección a ese viento. “Clarividentes” se fragmenta en tres grandes trozos en la cual los personajes van travistiendo sus subjetividades. No obstante el escenario sigue siendo el mismo: el desconcierto los dominara cada vez con más vehemencia. La mirada de este furibunda pieza estriba en lo dicho por no pocos filósofos: La Ilustración que supuestamente traería la redención de los hombres, fue puro engaño. Basta con observar el nazismo. Los autores de la mayor tragedia del siglo XX oían opera a la noche y asesinaban personas por la mañana. …
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Abre siendo un guante de seda. En su envoltorio rápidamente se aprecia dulzura. Se arropa con la mirada fresca y calida desde ese lugar que en Baires se llama interior. Ellas son dos jóvenes dueñas de un fuerte vínculo de amor. A medida que este nexo narra sus días, se aprecia la ferocidad del afecto mutuo que las envuelve. Ese apego y el fuerte soporte moral que las sostiene, les permite hacer frente al vendaval que tienen enfrente. Lyza Tailor y Sofía Diambra, llevan adelante una historia que tiene el dolor como bandera, la moral como guía y el grito como punta de lanza para clamar por una ética ausente. Ellas encarnan el mito de Orfeo y Eurídice, poseedor del amor en (acaso), la expresión más sublime sentimiento y el suplicio en el cual quedara Orfeo al ver morirse en un santiamén a su adoración imposible. El sublime mito nos sumerge en el inframundo para escenificar una historia que reflexiona sobre el hombre y su ciencia. Sobre los designios que toma en nombre de sentirse Dios ante el imperativo de tener control, o pretender hacerlo, sobre todo lo que lo rodea. El disparador que aquí se utiliza para anclarlo en nuestra contemporaneidad es…
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Sin envase, ni estructura, ni sofismas. Con la riqueza que tiene aquello que surge desde el núcleo del ser. Lo dicho por este singular personaje no anda con dobleces. Se presente con el anclaje que lo gobierna y lo vomita sin miramientos. Lo suyo es un tsunami que lo corroe. Tanto como el dolor que lo tiene ardiendo en la vida. Suplicio que lo interpela y que invita que lo propio ocurra con el público. La marea que lo aborda, provoca en su fragmentación, un impacto que desacomoda el paradigma que conforma nuestro ente. La sinapsis que genera su mente viaja al galope provocando emociones encontradas, sorpresas varias y enorme manantial en donde acampar. "Tom Pain", es un unipersonal de una hora de duración protagonizado por Rogelio Gracia, quien narra las vivencias de un ser en la etapa de madurez, pero que no ha perdido la candidez de un niño. Ese que fue al ver la maravilla del encuentro entre una abeja y una flor no pudo resistir la tentación de ser parte y de allí salió machucado. Este disparador lo ha depositado en un escenario llevando consigo su espíritu al viento, la carne en sal, y…
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Profunda. Despojada. Atractiva. Interpeladora. Moderna. Agil. Con escarceos varios. Con la risa y ojos de niebla todo el tiempo. Con las moléculas análogas en ebullición. El tema es el parricidio. Este disparador oscuro es luminosamente tratado. La pieza se mete en el nucleo de problema pero lo hace escindido de sentencias reveladoras. No camina rumiendo en los rincones. No se queja. Mira al problema de pie. Es un prospecto que propone. Valla si lo hace. Y lo logra a través de una filosofía cenital que ofrece no centrarse en el que, sino en el porque. No juzga, comprende. No aplasta, libera. No vomita, sino que su psicoanalizada mirada, ofrece alternativas que permiten sacar el látigo que castiga con el dogma moral. Sergio Blanco escribio la pieza inspirada en el legendario mito de Edipo Rey, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos. Apareceran en el brevario nombres como Sofocles, Dotovieski, Freud ( y mas), quienes servirán para sustentar con mas riqueza la propuesta. No aparecen para…
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Argentina y el pasado pasando. La antinomia como río en el cual se navega una y otra vez. El mismo lodo en el cual una brava mujer, la Negra Toribia, vocifera con una bravura que no te deja indiferente. El brioso relato cabalga al son de un abc-diario colosal. Encarnación escupe los vocablos cual dragón no dejando lugar para los tibios. Ezcurra desnuda su ecosistema con un diatriba plena de vigor, sustancia y sin dobleces. Lorena Vega ha cristalizado un trabajo gigantesco. Ha domado el texto y de esa domesticación lo hace cabalgar con una dosis perfectamente administrada. La energía es ascética. La mirada mixtura la bravura de una criolla que intelectualiza tanto como proyecta emociones que hablan de su sentir. Escupe su verdad cual latigazo en el barro. La excepcional maestría se refuerza por la articulación de cada fonema. Por la riqueza de este recurso locutivo-actoral, es que la pieza adquiere un mix de veneno y dulce licor en ese fantástico monologo. Lorena Vega, tiene un don admirable en combinar en su decir: textura de seda en el color de su voz, fonética limpia y ecualiza ademas a la perfección cada trozo del texto acorde a la carga…
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Fresca. Simple. Hilarante. Contundente. Bella. Ocurrente. Compleja. Pop. Cautivamente. Llena de búsqueda. Atiborrada de trabajo. Teatro puro, libre, sin ataduras, maravilloso, una brisa suave que oxigena el cuerpo, purifica el alma y descontamina la mente. “Othelo”( “Termina Mal” –Dix), es una obra cabal. Desde el mismísimo arranque y durante los 100 minutos que dura esta impecable pieza, jamás te suelta en su vibrante ritmo que se sostiene bien arriba en todo su recorrido y logra conmoverte, fascinarte y entretenerte a dosis pura de lo mejor de la prolífica cartelera teatral porteña. La cita es de un tal Shakespeare. Sobre un personaje llamado Otelo. Un bravo moro que nos invita nuevamente a ver su valentía, su amor por Desmenona y ese pañuelo que es el causante de la gran tragedia. En este versión de Gabriel Chame Buendia, nos encontramos con una renovadísima, límpida, sutil y desprejuiciada mirada que encandila por su mezcla de barroquismo, coloquialismo, contemporaneidad y todo en una ensalada soberbia donde los tabúes serán saltados con una destreza admirable dejando al público extasiado y conmovido por tanta brillantes artística. Los cuatro actores-personajes Matías Bassi, Julieta Carrera, Hernán Franco y Martin López Carzolio componen personajes descomunales. Los mismos tienen…
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La historia va de (un) juglar. O bien de (un) payaso. Podría decirse que están mixturados. Es un caminante. Un ser con recorrido en la vida pero sin alarde de ello. Su pequeño-gran ecosistema es amable, cercano y puramente análogo. Esta solo, pero no en soledad. Lo rodean duendes internos y compañeros en su periplo. Lo atraviesa una poética que le da fisonomía y espesura a su universo. Su patina melancólica es disimulada por su espíritu alegre que espuelea sus días. Llega, como siempre, a algún acampado y allí comienza a narrar su vida. Allí está el primer signo de la obra. No hay, al parecer, mucho por contar. En realidad la obra no busca impactar. El tiempo se estira y no pareciese que fuese ha ocurrir algo trascendente. ¿Qué significa que pase algo en realidad? El silencio, la complicidad con el público y la simpleza de sus anécdotas marcan su norte. Es a partir de este núcleo donde la pieza se planta. Desde allí habla. Juega a jugar. A un ida y vuelta que es un truco para esconder su cicatriz. El (Marcelo Katz), habla en pasado y narra las peripecias con su padre y demás personajes. Las…
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Han oxigenado el teatro alternativo de Baires. Lo han arropado sin alardes, con un reseteo poderoso, sin poses y con el corcoveo que tiene todo lo que reclama emerger. María y Paula Marull plantean 'en el país de la pampa interminable', una cosmovisión desde otro paradigma. La misma se corre de la megalópolis, que es la gran capital argentina, como eje. Las Marull construyen desde otra perspectiva el ¨como¨ y el ¨que¨ de los temas que nos interpelan. Ya sean los importantes y los no tanto. Al pasar por el tamiz y el talento de estas genuinas y talentosas artistas, todo adquiere una naturalidad que se agradece, un rictus menos solemne y los tópicos abordados -bajo sus alquimias-, se transforman en un néctar que alimenta. En ¨Hidalgo¨, Susana de Torrecas (Paula Marull), es una empleada de una inmobiliaria llega a un departamento con el paso presuroso de todo habitante de la gran metrópoli. Lo que sería un trabajo estándar, de mostrar el inmueble a un potencial locatario, se enfrenta a un obstáculo: un joven esta atornillado en cuerpo y alma en el apartamento en cuestión. Esteban Bonino (Agustín Daulte) y su desdén hacia la vida, la interpela de una manera…
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En una sala pequeña y oscura de un espacio teatral del barrio de Almagro se pone en escena cada viernes y sábado una obra que retrata la vida de una familia judía. ¨El ciclo Mendelbaum (100% musical)¨, intercala el diálogo con canciones para contar una historia que, en apariencia, se repite una y otra vez. Con algunos componentes surrealistas, Sebastián Kirszner logra construir una pieza que llega muy bien al público que, en cada función logra llenar la sala -en la que solo entran cuarenta afortunadas personas-. El clan comienza con los abuelos, el Zeide y la Bobe. Le siguen tres hijos varones y dos nietos, Tití y Matías, quienes no serán ajenos al drama que a todos aqueja, aunque a veces parezcan haberlo superado. La familia, algo distanciada en los últimos años, deberá reunirse para el funeral del abuelo, fecha que coincide con la debacle nacional de 2001. Allí comprenderán que la relación es irreconciliable porque sus rivalidades y peleas históricas siguen latentes en todos ellos. Sin embargo, años más tarde tendrán que volver a juntarse ante el fallecimiento de la abuela -que casualmente sucede en medio de otra crisis económica argentina-, lo que lleva al espectador…
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Uno de los polos mas importantes del teatro off de Buenos Aires es el Teatro Excéntrico, ideado, creado y bajo cuya ala hizo emerger hace 30 años la genial actriz Cristina Banegas. Un vasto número de artistas que surgieron de este pulmón teatral y una cantidad de notables artistas se dieron la mano para festejar en la parte final del 2016 tres décadas de existencia del Excéntrico ubicado en el límite entre Palermo y Villa Crespo. El resultado es un Festival a pura vitalidad, con colas de personas para descubrir nuevas piezas, para recordar otras joyas soberbias e historias ("Eva en la Hoguera"), y para nadar en obras de otras latitudes. Algunas de ellas han impactado de lleno al corazón de los amantes del teatro de Baires, señorial ciudad teatral del mundo. Una de ellas llego proveniente de Ecuador y su impronta dejo huella. Grito poético desde Ecuador “La Venadita” (Juana Guardenas) es una anciana indígena que cura de manera tradicional. Está al final de su vida, pero no quiere morir hasta encontrarse con su nieta: Isabel, que vive…
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¡Dios salve al capitalismo de los defensores del capitalismo!. Ayn Rand Allí están ellos, como anestesiados. Sin más viaje que su propia quietud. Sin horizonte más que sus propias melancólicas miradas. Su mutismo hace evidente que lo rancio los ha colonizado. El afuera los ha rodeado cual musgo a la piedra. Esa realidad que se ha cocinado allí, tras las paredes que los aprisiona, ha puesto de manifiesto un sistema de tal agresividad que no ha hecho más que viciar el aire. Ello ha anquilosado el pasado, aniquilo el presente y borro el futuro como posibilidad de anhelarlo hacia una vida que posea redención, disfrute o al menos dignidad. Así están ellos, como “Los Nadies” que espléndidamente describiera la pluma de Eduardo Galeano. “El Patio de Atrás” es una pieza maestra que Carlos Gorostiza (1920-2016), hizo brillar en el firmamento en 1994. La vigorosa, sagaz y brillante escrito puso de manifiesto no solo el estado de situación que el neo-liberalismo -espueleado por EE.UU e Inglaterra rego al mundo-, dejando a su paso un camino desértico, contaminando todo a su paso y seduciendo con su máscara reluciente pero vaciado de la nada misma en su interior. Lo admirable…
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La crisis politica-economico de 2001 fue un disparo demasiado fuerte para un país como Argentina que tiene un fuego sagrado en su interior como sesgo cultural. Esa llama incandescente motorizo que dos características marcadas en nuestro ADN se potenciarán: orgullo y rebeldía. En el marco del arte, esa traumática realidad implosionó de tal manera que obligo a mirarnos en el espejo. Uno de las salidas con más oxígeno, creatividad y arrojo fue (sigue siendo), el teatro alternativo u off. Esa interpelación se potencio aún más en Buenos Aires. Ciudad bella, iracunda, siempre fértil, cautivante y con la vanguardia siempre como bandera. La gran metrópoli con aire europeo, con movimiento latino y con ropaje cada vez más Sajón, puso de manifiesto ese “no lugar” que ocupa en su propio país. Dicho de otra manera: Atahualpa Yupanqui necesito de un tal Edith Piaf y de las luces de Paris para trascender. Cuando una obra tiene en su espina dorsal el folklore como estandarte, este “salvoconducto” actúa siempre un bálsamo transformando el viaje en un periplo que resetea la manera de narrar, de entretener y de mutar nuestra propia subjetividad. “Los Magnífico Delgado”, hecha son seriedad, de modo competente y con…
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"La belleza artística no consiste en representar una cosa bella, sino en la bella representación de una cosa". Immanuel Kant Sola. Ella está así: “Sola”. Contemplativa. Escudriña lo que le pasa y deja de pasar. La aparente calma que sondea su pasividad corporal conforman un mar de preguntas que la acicatean en cuerpo y alma. Tras esas cavilaciones se lanza del diminuto espacio a ese gran escenario que llamamos realidad. La misma, se sabe, es un conjunto de signos que desde afuera el hombre crea y en ella se sumerge formateando su subjetividad. Ella se lanza a ese maremoto y su cuerpo se multiplica en cuatro: Sofía, Rypka, Emma y Olivia. Son cuatro es cierto, aunque el soporte filosófico que sustenta la trama bien podría inferirse que podría ser la vida de una que se espeja por cuatro. O también al infinito. Lo subyugante de esta creación es que en su viaje nos lleva mayormente por viaje antropológico cual parabrisas va desmalezando nuestros falsos dioses internos. El moho que habita comienza a evaporase cuando danza, silencio y mayormente con música, van reseteando nuestro interior. Mauricio Kartun (excepcional dramaturgo y director teatral), dice a través de sus…
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Selva, Libertad y Madre transitan sus días en la serranía cordobesa. Sus cuerpos están anclados en una realidad abastecida por la ausencia de una Padre-Esposo que articula el ecosistema emocional de sus existencias. Esa realidad se abastece además con el endiosamiento de la religión que conjuntamente con el costumbrismo pueblerino bordea y alimenta sus espíritus. El misticismo es un disparador espeso que termina monitoreando y configurando todos los signos del ecosistema de todo lo que les pasa-pasó-pasará. “Traslasierra”, es una obra con varias capas dimensionales.: La dramaturgia (Gabriel Cosoy) se construye una mecánica de vínculos espesa, sórdida, oscura y en ese espiral gira un primer gran mérito. El otro robusto logro estriba en el tránsito de los cuerpos por el espacio, en la desconexión (buscada) evidente que se traducen (todos) los vínculos. Se hace evidente una lograda patina en la que se trasunta palabra y acción que se desairan en su conexión. La dirección (Gabriel Cosoy), aposto a que en los ojos de (todas) las actrices (Susana Arata, Gabriela Illarregui, Florencia Mattioli, Graciela Strappa), sea el ojo del huracán de lo que allí se cocina. En los logrados trabajos de cada una de ellas, está la llamarada incendiaria de esta…
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Se abalanza como un corcel negro arrasando todo a su paso. Su corcoveo es impetuoso, estilizado, con suma clase e imantando todo a su paso. Ese deslizamiento lo hace con naturalidad, sin pretensiones, sin alardes para hablar de un gran tema. “Como si pasara un tren” tiene el poder que siempre provoca el poder-contundente de historias “pequeñas” y frescas que acontecen en nuestra interminable pampa. Esta estupenda creación de Lorena Romanin conjuga una poética simple y universal la cual viene en un envase provisto de encanto, ternura y al mismo tiempo de hilaridad. Esta comedia dramática de una hora de duración narra la historia de Susana (Silvia Villazur) y su hijo Juan Ingacio (Guido Botto Fiora), quien padece un retraso de maduración. La sobreprotección de Susana encadena una espesa atmosfera que no hace más que potenciar la dificultad que sufre su hijo. Ellos tienen un vínculo que mixtura el amor con una historia de yerros por parte de una mujer cuya vertical y excesiva autoridad ha contaminado y logrado asfixiar el afecto rancio que se profesan. Las rutinas que jalonan los pueblos de nuestro país tienen otra espesura a la de las grandes urbes. Sus rituales, sus sentenciosos…
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Lo menos frecuente en este mundo es vivir. La mayoría de la gente existe, eso es todo. Oscar Wilde El hechizo que provoca es un tsunami de belleza. El impacto que provoca el deslizamiento del mar de palabras es de una seducción irresistible. La dulzura y el encantamiento con que está construida esta excepcional pieza teatral la han convertido entre lo más logrado del teatro alternativo en 10 años a esta parte. Soberbia creación que tiene como motor la palabra al servicio de la poesía, siendo este el puente entre el cuerpo y las emociones que nos llevan al país del alma, donde nos elevamos de la densa realidad circundante. Mariano Moro se arrojó con su pluma al embravecido mar de Lope de Vega. El chaval fue un genio en lo suyo en la época dorada del arte español. La destreza de escribir aun imanta todo a su paso. Y lo hace en este desierto con que la nomenclatura sajona ha construido lo que llamamos la capa principal de la realidad. Sacudirse y ejecutar ese “mantra” es una odisea en los tiempos líquidos, de título-bajada (despreciando de contenido) y donde el vacío esta a merced mayormente de lo que…
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Los negros nubarrones que se descargaron como una furiosa tormenta en los años 70 en Argentina se han ido. En realidad no. Están ahí. Al acecho. La memoria actúa como pararrayos para manifestar el recuerdo (dolor) y para que la evocación (elegía) emerja en lo alto acudiendo como antídoto ante el olvido. Siempre que el arte se pronuncia sobre ello es no solo un hecho a imitar, sino también a desconectarse del frenesí contemporáneo y a adherir con aquello que tanto atropello género a miles de seres. "El Familiar" es una obra sin más alarde que narrar los tremendos hechos acaecidos en el norte argentino en épocas donde la dictadura militar atropello los más elementales derechos humanos de cuanto ser se cruzaba en su oscuro, oprimente y fétido camino. Esta concreta, simple y eficaz dramaturgia (Oscar Vázquez), narra la vida de una familia de clase media-baja de Tucumán. Vidas que veían como un musgo crecía de instante a instante carcomiendo literalmente su hogar, sus vidas, sus almas. Lo rescatable de la pluma es que no busca encandilar para lucimiento propio. Su norte es el tema, cuyo propósito se logra con palabras como “cañaveral” que anclan…
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Si hay una palabra que bucea en el universo de “Oceanía” esa es la palabra tiempo. En ella danza-gira-se sumerge esta pieza construyendo un espacio de multiplicidad de sensaciones, con paletas de colores en sus emociones pivoteando como un flipper de agitaciones que rebotan entre sí. “Oceanía” narra la vida de tres amigos que ya no son lo que eran, aun siéndolos. Se buscan y aun estando en el mismo espacio-tiempo debaten sobre lo que fue y ya no es (¿o si?). Desde allí parte la trama y ese es el trazo grueso sobre el cual navegaran estos tres personajes y es el ecosistema al cual nos invitan a ingresar. En su textura, está más que disfrutable propuesta (de principio a fin), sutil, fina, -insondable por momentos-, marca su norte y edifica un micro-cosmos de luces, de desencuentros y de desafíos en triple dimensión: para los actores, para la propia propuesta artística y para los espectadores para salir de su zona de un posible confort. Lo que es un noble riesgo en “Oceanía” es que su arrojo lo hace con naturalidad, sin poses y además sin culpa. La dirección (José Dario Innella) aposto a que sean “chicos…
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Mayormente en los espacios literarios del mundo se suele ponderar que la síntesis metafórica de “El Quijote”, está anclada en ese hombre (romántico) quien lucha contra Molinos de Viento (poder sajón que aun marca el paso del mundo). Ese núcleo sustancial en la vida de Cervantes (de quien en este 2016 se cumplen 410 años de su “ida” física) y que manifestaría en sus geniales e insuperables creaciones, ha sido materializada como sustrato principal en “En ese loco de Cervantes” y cuyo logrado texto (Marco Antonio de la Parra) marcará acertadamente el pulso de esta propuesta. La pieza apuntala su norte sin más pretensiones que rendir homenaje a este genio que fue un adelantado en el tiempo y como nadie hablo desde nuestro gen de pertenencia cultural y de la medula espinal que aún nos sigue interpelando. Todos estos logros están plasmados en esta pequeña aunque ponderable creación. La misma se articula desde esa pequeña habitación en la que “El Manco” exorciza sus demonios, vuelca su arte creativo, y dialoga con un tal Shakespeare. La presencia actoral de Gustavo Manzanal motorizando a Cervantes logra adosarle un alto grado de credibilidad dado la verosimilitud lirica desde la cual dispara…
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Su solo nombre genera veneración. Sus personificaciones son un edificio que desde el cimiento hasta el dintel de su construcción compositiva tienen una riqueza actoral que solo los iluminados y los que trabajan a destajo pueden anhelar a tan encumbrado olimpo. Decir Julio Chávez no solo en Latinoamérica, sino en España, Alemania y varios países mas de Europa es decir en mayúsculas: Teatro – Actuación – Actor Sublime. En “Yo soy mi propia mujer”, - obra que está basada en la vida de Charlotte von Mahlsdorf, un extravagante personaje de Berlín del Este, conocido por coleccionar relojes, fonógrafos y muebles antiguos de la época de Wilhelm II-, Julio Chávez materializa una composición actoral que se ubica en la dimensión misma de la excelencia. Directamente este consagradísimo actor, se siente a sus anchas en su gran amor (el teatro), y directamente disfruta de dar una clase magistral de cómo se actúa. Sencillamente el rio que emana de su energía, de su océano creativo y de su trabajo de orfebre surge un caudal interpretativo que imanta a cada parpadeo. La solidez compositiva, el doble enfoque desde el cual se narra la pieza, es profuso y allana el martilleo a puro galope de información sobre la cual se habla…
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La metáfora está a la vista. Se la intuye ni bien se ingresa a la "Dark Room". Los cuatro actores y sus magnéticas presencias se posicionan en cada rincón como marcando el punto cardinal desde donde saldrá el tsunami que los habita y que despliegan con tanto desparpajo como con un controlado y estudiado erotismo. Se sabe (y mucho), que en Brasil, el cuerpo y la piel estan mas vinculadas con sus espíritus que en esta parte del mundo. Sus vinculaciones son más poderosas, menos inescrupulosas y están despojadas de la anteojera ideológica de la distancia que marca el "pensar" y "pensarse". La performance de estos actores proveniente de Recife ("Cia.Etc") se arrojan al escenario en medio de la penumbra. Los gemidos y sus ondulaciones llegan al público con dulzura y sensualidad. El contacto físico entre ellos y las miradas hacia el público constituyen la médula espinal de este show que tiene la premisa de ir a fondo en cada inhalación. La vibra que los conecta se percibe en el aire. La fiereza con que se adueñan del recinto es soberbia. Al mismo tiempo la diversión se siente a medida que la danza avanza. "Dark Room"…
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El genial humorista Argentino Luis Landriscina dijo cierta vez y lo repitió hasta el cansancio preguntándose, "¿Que es que pase algo?". El ser urbano de las grandes metrópolis con el ritmo frenético de su vida posmoderna lo asocia a que a cada instante debe suceder algo extraordinario o especial digno de ser contado. O sea, algo por fuera de la cotidianidad llana de los pueblos del interior,. Desde esa mirada, con esa obturada filosofía, se considera que en los pueblos generalmente"no pasa nada"... ( ¡ ) Paula Marull (directora y dramaturga), zapatea un malambo en medio del charco y salpica para todos lados un cuadro preciso de ese retrato del imaginario social del interior de nuestro país. Su pluma encendida, su agudeza intelectual y artística, sus emociones guardadas en un cofre la llevo a sacar a la superficie una obra de tremendo impacto artístico que en la gran urbe adquiere un brillo que encandila de principio a fin a todo el auditorio. "Yo no duermo la siesta", lleva como punta de lanza la historia de Nataly quien va a pasar un día de a casa de su gran amiga y vecina Rita. Allí pasaran todo tipo de acontecimientos…
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"El amor puede tener muchísimas formas. Tiene que tener muchísimas formas. De lo contrario es tiranía, muerte, nada más." D.H. Lawrence Beatriz Matar mete el dedo en la llaga con esta revelación que D.H. Lawrence (Eastwood, Inglaterra, 11 de septiembre de 1885 – Vence, Francia, 2 de marzo de 1930), utilizo en su sutil y magnética pluma. Este decir será verbalizado por Ramón en el surgir de la obra y pondrá de manifiesto la arquitectura cultural, política y poética de los tres personajes. Así se evidencia la magnitud de una realidad que se avecina como una tormenta y que destapara una realidad soterrada en medio de la pampa. Un escritor (Andrés - Alejandro Velazco), estará de paso en un paraje campero argentino. Allí, se encuentra con una pareja compuesta por Laura (Verónica Alvarenga) y Ramón (Jorge Booth). El encarna al típico gaucho derrotado. Ella a una mujer que no podrá encauzar su dulzura y su rio interior en un lugar que pareciera tenerla entre rejas. "La Amante de Lawrence" vomita rapidamente la porosidad rudimentaria en donde se cobija-cocina esta realidad. Los días transcurren en una resquebrajada realidad donde Ramón advierte que su voracidad carnal no encuentra en Laura la pasión…
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Los artistas emplean los hechos como estímulos para la imaginación, en tanto que los científicos utilizan la imaginación para coordinar los hechos. Arthur Koestler La alquimia en la cual abreva Mauricio Kartun para cada una de sus creaciones es la de un sibarita que no se conforma con lo ya conocido. Mete siempre las manos en el barro y va por más. El público (su público), ya tiene en la hoja de ruta este precepto de modo que va de antemano. Con la ilusión de bañarse en las aguas de tan arrojado creador. El anhelo es salir con una nueva cosmovisión de la vida misma y además la de ser profundamente entretenido. En "Terrenal" se asiste a una obra genial. Todos quedan (literalmente) entregados y maravillados por una obra mayúscula, fascinante de principio a fin. El auditorio queda flechado por una de las plumas más agudas y brillantes que tiene el teatro actual de Argentina (y del Mundo), y por un trio de actores que hacen las mieles con interpretaciones cautivantes. Política En uno de sus libros Osho comenta sobre dos hombres que están sentados en un mismo banco de una plaza durante 8 horas sin hablarse. Hasta que…
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Esta literalmente despojado en su sillón. La crisis ha golpeado a su puerta. El rostro pétreo denuncia que la actual situacion lo tiene enfrascado en un lodo del cual le cuesta salir. El es un escritor ( Pablo Mónaco), y el solo teclear de su maquina de escribir no hará mas que potenciar el estado de angustia soterrada en el cual esta sumido. La irrupción en en escena de uno de sus mas emblemáticos personajes (de sus tiempos de brillo y esplendor llamado Pancracio - Gabriel Yamil-), impactara al ingresar de manera súbita en escena y la rutina saltara por los aires. Esta opera prima de Nicolás Chinski tiene buenos condimentos en la estructura en la cual se apoya esta buena obra y ofrece comicidad en gran parte de su periplo, dada la lograda empatía de los dos personajes principales y el denodado trabajo entre dirección y todo el cuerpo actoral. Si bien ello hace decantar un buen navegar y que la obra no encalle, se advierte que aun la obra tiene mas brillo por mostrar, dado que la química actoral de todos sus componentes tienen buenos quilates para hacer traducir en mayor riqueza artística. El núcleo…
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Su voz es cautivante. Su mesurado histrionismo provoca encantamiento. La poesía que sostiene el show es bella y se articula con eficiencia y solvencia. Bajo estos tres componentes se apoya el logradísimo show "No es mi planeta esta ciudad" que Delfina Braun brinda cada jueves (cada 15 días) en Moliere Teatro y que durante una hora tiene eclipsado al auditorio. Helena (Afrodita - Delfina Braun) es una estatua que cobra vida en medio de una gran metrópoli. Allí se siente asfixiada en cuerpo y alma por la realidad que le toca experimentar. La composición tecnológica y su metal vaso comunicante la sofoca. Sumado a ello se encuentra el caos-ruido-diario urbano de Buenos Aires. Su crisis ira en aumento cuando advierta lo resbaladizo y agrietado que le resulta a su vida absorber la composición política del nuevo escenario para El Amor. Esa es la densa realidad que le toca atravesar en su nuevo estado. Este último ítems (El Amor) será el motor de la pieza y sobre el cual viaja como sub-trama este bello espectáculo que seduce en cada instante de su muy bien pensado show. Para ello se instrumentó un lenguaje compuesto primordialmente de su voz (exquisita), de una puesta…
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Su alma esta desolada. El desierto interior que la rodea es tan "fértil" como la soledad que la circunda. Su drama es furioso. El tema que la convoca a su diatriba es tremendo. Desojar su lacerante dolor se torno imperativo y allí esta su voz para lanzar las llamaradas que incendian su espíritu Aimé (Laura Nevole) es parteneire de una fiesta organizada por Guzman. Ella esta disfrazada por una peluca, por una carterita y un ajustadísimo vestido. Ese disfraz sera metafórico y evocativo del tornado cultural que marca como una cicatriz tanto a uno como a otro. Ella esta encerrada en ese laberinto. Esclavisada. Sometida por ese martirio narra las peripecias que lo toca atravesar con un indisimulado incordio. La pretérita violencia que configura su universo denuncia un estado de descomposición en lo político. Ese escenario la posee a ella de rehén y sera Gúzman el amo que la tiene entre esas rejas culturales, éticas y políticas que la someten en una encerrona tal que necesita vomitar con furioso frenesí. Allí estarán uno y otro, "dialogando" en medio de una fiesta tétrica, donde el martirio sera la consecuencia de un devaneo tan desdoroso. "Trópico del…
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