Jueves, 19 Abril 2012 18:51

Warriors of the Rainbow

Esta edición del Bafici tuvo el privilegio de presentar uno de los film que más se comento en el escenario internacional en 2011. Se trata de la soberbia realización de Te-Sheng Wei, quien con su Warriors of the Rainbow narra un hecho acontecido en la isla de Taiwan en 1930.

Dicha isla tuvo a lo largo de su historia varios colonizadores: holandeses, españoles, chinos, y japoneses. Estos últimos fueron lo que tomaron posesión previo a la segunda guerra mundial y obligaron a la tribu Seediq a cambiar sus hábitos, rituales, tatuajes hasta ir amenazando la existencia de toda su cultura.

Esta mega producción tuvo su génesis dramatúrgicamente en 1997 y se materializo en su realización en 2010 con 10 meses de rodaje y 1 año de edición.

Este último dato no es mejor ya que elegir y descartar imágenes fue un trabajo duro tanto como elegir las escenas. Solo un actor es una cara conocida en su tierra, todos los demás fueron actores sin renombre,
que junto a 15 mil extras tuvieron que poner su cuerpo y alma en esta fantástica realización.

La historia narra cómo los japoneses fueron ocupando la isla y sometiendo a “los salvajes” para domesticarlos y erradicar de a poco y con mano dura sus signos culturales. Un incidente con un oficial japonés colmo lo paciencia de Mouna Rudo, quien como jefe de todas las tribus se puso al frente de esta encarnizada lucha. Con solo 300 hombres le hará frente a todo un imperio que con 3000 hombres no podrá detener (ni entender) la furia y la cosmovisión interior que los impulsa a tan estremecedora decisión.

Con un presupuesto de 24 millones de dólares y filmada mayormente en lugares selvático, con paisaje de ensueño y con una fotografía impecable, Warriors of the Rainbow, desborda vitalidad, verosimilitud actoral y una soberbia producción ( John Woo, Terence Chang, Jimmy Huang), que incluye muchos efectos especiales.

Lo notable de este film que estuvo cerca de ser candidata al Oscar como película de lengua extranjera es que no hace un relato con un personaje central y además la encarnizada lucha no tendrá un guion clásico. La batalla tiene una ida y vuelta en todo momento, cambiando constantemente la dramatización dando aun más conciencia lo que fue tal gesta y lo duro de cada combate bien lo documenta. Merece puntualizarse el mismo tiempo que los muchos efectos especiales potencian la historia y están al servicio del film. No le quita drama al tono del film, ni tampoco lo edulcora. Lo exalta y logra adosarle una estética sutil y subyugante.

Párrafo especial (Mouna Rudo), quien con su sola presencia en cuadro poetiza y simboliza toda la cautivamente cosmovisión de un pueblo tan legendario como vital en su cultura.

Lo epopeyico del film tiene su gran merito en que durante todo el metraje las poesías narradas en off logran documentar el valor que los Seediq le dan a la naturaleza, a sus ancestros, al arco iris y a matar si es necesario para salvaguardar su cultura cuando esta no solo es amenazada, sino cuando se ve pisoteada y burlada por cualquier enemigo.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición Warriors of the Rainbow: Seediq Bale
Título Original Saideke balai
Título en Inglés Warriors of the Rainbow: Seediq Bale
Director Wei Te-Sheng

País
Año 2011
Formato DCP
Color Color
Duración 150'

Reparto:
Intérpretes / Cast: Lin Ching-Tai, Umin Boya, Ando Masanobu, Kawahara Sabu, Vivian Hsu
Producción:
Dirección / Director: Te-Sheng Wei
Guión / Scriptwriter: Wei Te-Sheng
Fotografía / Cinematography: Chin Ting-Chang
Edición / Editing: Cheung Ka-Fai, Chen Po-Wen, Milk Su
Producción / Producer: John Woo, Terence Chang, Jimmy Huang
Compañía Productora / Production Company: ARS Film Production, Central Motion Pictures Corporation

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Jueves, 19 Abril 2012 17:23

Clip

Hay una premisa que supo “patentizar” el universo Google: lo que no se ve, no existe. Desde ese prisma los adolescentes de Clip se “muestran” todo el tiempo con una imagen globalizante, bien de facebook, bien “cliptera” que se suma a la rebeldía que los desborda con un sexo como epicentro de sus vidas.

La opera prima de Maja Milos está narrado con una honestidad brutal (que incomoda por momentos), poniendo de relieve en su relato la mirada distanciada de la propia realizadora y como los jóvenes de Serbia “absorben la realidad: lo hacen con imágenes a los MTV. Ellos se auto-filmaran todo el tiempo, copiando la forma y fondo de los iconos musicales que admiran.
Estos ídolos potencian la estimulación y el culto a lo anarquista, al ego, la fama y el culto a la imagen. En estos ítems el film no deja jamás de apuntar. Lo fragmentara con los temas de la vida real, esa que la joven protagonista esquiva de manera frontal, lacerante, desafiante y sin que nada la detenga. Su excusa es que siempre tiene que estudiar. No solo que no lo hace, sino que no quiere oír nada de la enfermedad terminal de su padre, ni de sus obligaciones caseras.
La muerte de su padre está cerca. Su angustia se la traga y solo sale en borbotones para volver a girar en círculos en su desbordado, asfixiante y aturdido universo. Ella no entiende (y lo dice) como su familia mira fotos de familiares que ya están muertos, lo que genera desconcierto en sus familiares Frontal, punzante, reveladora, así Milos narra cómo los jóvenes de Serbia (bien podrían ser de cualquier parte del mundo), se subliman en sus emociones, como se los manipula desde los soportes tecnológicos.

Esto no solo potencia la rebeldía natural que los habita, sino que además esconde sus angustias-dolores y los lleva a un terreno interior desértico no evidenciado para los padres que los rodean quienes a su manera también colaboran para dimensionar ese vacío interior.

Mención especial para la "desfachatada" actuación de Isidora Simijonovic (Tanja), quien encarna con soltura, desparpajo y naturalidad una adolescente con todos los signos contemporáneos. Cuando mira a través de su teléfono móvil –su inseparable compañero-, a su convaleciente padre en el hospital, allí la directora condensara la metáfora de un film que péndula todo el tiempo entre lo literal (mayormente) y lo sugerente.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición Clip Título Original
Klip Título en Inglés Clip
Director Maja Milos
País: Serbia
Año 2012
Formato HD Color Color
Duración 100'
Reparto: Intérpretes / Cast: Isidora Simijonovic, Vukasin Jasni, Sanja Mikitisin, Jovo Maksic, Monja Savic Producción: Guión / Scriptwriter: Maja Milos
Fotografía / Cinematography: Vladimir Simic
Edición / Editing: Stevan Filipovic
Producción / Producer: Jelena Mitrovic
Compañía Productora / Production Company: Film House Bas Celik

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Clip

Martes, 17 Abril 2012 15:36

Salsipuedes

Córdoba tiene un inconfundible tono que lo caracteriza por donde quiera que alguna persona de la provincia mediterránea transite.
En la opera prima de Mariano Luque ello es una huella que lo utiliza a la perfección para marcar no solo el modo de vincularse de los personajes, sino que allí (también) radica la manera de no-vincularse de un matrimonio.

Salsipuedes podría inferirse que habla de Sal- Si- Puedes. Una pareja tiene un vínculo asimétrico. El hombre ejerce una relación vertical. El tiene el poder y lo ejerce en todo momento.

El film muestra en 66 minutos primerísimos primeros planos que documentan la asfixia y el ahogo de todas las relaciones que incluyen a la mama de la protagonista principal (Tutuca), y la hermana de esta última.

Paisajes de un lugar de ensueño oxigenan (pareciera) la relación, aunque con el paso del tiempo todo se va volviendo bucólico: “esto esta re-muerto” dirá un marido tan machista como insensible.

El film hace un equilibrio entre respetar el ritmo de los personajes y el ritmo del propio film que de entrada nos introduce el punto de vista de una mujer agobiada. Luego nos mostrara toda la dinámica de los vínculos que es tan violenta como natural.

Lo elogiable del trabajo de Mariano Luque es que logro una representación cabal de la característica cultural cordobesa que tienen todos los personajes: tonada, humor, literales, despojados de esnobismos, y a ello le sumo la violencia de palabras, lo desértico de tacto y sensibilidad para vincularse con el prójimo.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición Salsipuedes
Título Original Salsipuedes
Título en Inglés
Director Mariano Luque

País
Año 2012
Formato HD
Color Color
Duración 66'

Reparto:
Intérpretes / Cast: Mara Santucho, Marcelo Arbach, Mariana Briski, Camila Murias
Producción:
Guión / Scriptwriter: Mariano Luque
Fotografía / Cinematography: Natalia König, José Benassi
Edición / Editing: Mariano Luque
Producción / Producer: Julia Rotondi

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salsipuedes

Lunes, 16 Abril 2012 17:13

Cocaine Cowboys

La ciudad de Miami fue siempre la ciudad de descanso para los jubilados de EE.UU. Ciudad tranquila, con bellas playas y con varios encantos. A mediados de los 70 todo comenzaría a cambiar para transformarla en una ciudad que nunca mas volvería a ser la misma.

Los carteles colombianos fueron introduciendo la droga de manera exponencial gracias a tu tremendo poder de producción, sumado a los excelentes contactos y a la inexistencia de los controles en la costa de la Florida.

Alfred Spellman y Billy Corben produjeron este cautivante documental con una poderosa escaleta que está poblado de frondosa data, con increíble archivo, con testimonios de protagonistas quienes de manera natural cuentan el lado oscuro de este escabroso negocio que vio su esplendor en los años 70-80, facturando 20 billones de dólares anuales.

Dinámico, con edición precisa, Cocaine Cowboys ofrece siempre perspectiva cultural y política para comprender en todo instante como Miami fue mutando de piel con el peso que día a día iban teniendo los carteles colombianos.

Fue la revista Time con su titulo “Paraíso Perdido”que modifico el tablero político y de esa manera el gobierno de EE.UU. puso manos en el asunto. No fue la droga en si la que cambios la vida cultural y moral de la city, sino las muertes que se sucedían día a día y la inseguridad galopante que se había adueñado de las calles.

Los rascacielos cambiaron en los 80 la fisonomía de una Miami gracias a dinero espurio. Esos que comenzamos a ver en División Miami. Aquí también disfrutamos de la música de Jan Hammer, quien se lucio en la celebrada y exitosa seria con Don Johnson a la cabeza.

Miami pasó a reinventarse gracias a la eliminación de los carteles colombianos en una ciudad de excelencia turística, de diversión constante siendo un polo de atracción constante para todo el mundo. En Cocaine Cowboys se puede ver todo este proceso de manera soberbia y entretenida. Una joyita del Bafici 2012.

By Hugo Manu Correa

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Cocaine Cowboys

Lunes, 16 Abril 2012 01:02

Salomé de Chacra

Una chacra allá en los tiempos viejos. Herodes, propietario, enseña democracia con rigor cívico a un ácrata al que mantiene encerrado en aljibe seco. Cada noche desde el pozo clama su verdad en el desierto el libertario y con la prédica del precursor sueña un orden nuevo la peonada.

Sopla el pampero su mal augurio. Es ensangrentado día de carneada, de faena, y entre chacinados Salomé, hechizada con la voz, con la palabra, sueña con poseer alguna vez esa boca. Cochonga, su madre, añorante del orden viejo sueña con su cabeza completa. Herodes, su padrastro, sueña con un bailecillo de la niña, el Gringuete, peón infaltable, ama a esa niña en criollo silencio. En la pampa la tragedia es una ristra de sueños. Una máquina de hacer chorizos.

Salomé de chacra es una trasposición guasa a la pampa del relato, los personajes y la mítica de aquella leyenda bíblica. Un auto profano representado por ánimas cada noche en la tapera en ruinas de lo que alguna vez fue una propiedad. Una rural, eterna y ceremoniosa representación de la creencia. Mauricio Kartun

Ficha Técnica

Autor: Mauricio Kartun

Elenco: Manuel Vicente, Osqui Guzmán, Stella Galazzi, Lorena Vega

Asistente Artística: Lorena Ballestrero

Supervisión de movimientos: Luciana Acuña

Diseño Sonoro: Tian Brass

Diseño de Escenografía y realización de elementos: Norberto Laino

Diseño de Vestuario: Gabriela A. Fernández

Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux

Prensa: Simkin & Franco

Dirección: Mauricio Kartun

La Nación (Carlos Pacheco)

Un elenco formidable da vida a esta suerte de farsa trágica que pergeñó Mauricio Kartun. Más allá de los profundos valores de su texto, el trabajo de dirección de Kartun también se destaca por su rigurosidad. Logra que sus intérpretes se apropien con extrema seguridad de esas criaturas y, en verdad, en muchos momentos el espectador no sabrá si esos personajes han salido de la imaginación del autor o es que esos actores le han dictado a él las cualidades de esos personajes. Sin duda Osqui Guzmán, Manuel Vicente, Lorena Vega y Stella Galazzi encuentran la mejor manera de que sus cuerpos mantengan intacta la sorpresa que les provoca el devenir de sus personajes y logran sostener eso con tan marcada naturalidad, que el público lo recibe de forma limpia, intacta, conmovedora.

La Nación (Osvaldo Quiroga)

Si el teatro es la creación de un mundo que se impone a través de los cuerpos de los actores, y si esos cuerpos adquieren tanta vida que se convierten en portadores de formas estéticas, no es exagerado decir que Mauricio Kartun, además de un excelente dramaturgo, se ha convertido en un admirable director teatral. Lo que logra en Salomé de Chacra, la obra que se ofrece en el Teatro San Martín, no sólo es un trabajo minucioso sobre el lenguaje a través de articulaciones que remiten tanto al teatro gauchesco como a la modernidad, sino que es también una mirada aguda sobre cierta realidad argentina y un diálogo sostenido con obras fundamentales de nuestra literatura, como El matadero y La cautiva, de Esteban Echeverría (…) Farsa y tragedia, frases hechas y curiosas inflexiones de la lengua pampeana se hacen visibles en los cuerpos de los intérpretes y crean un idioma propio, tan fragmentado como nuestra historia y tan brutal y autoritario como los períodos más sombríos de nuestro pasado. Hablamos como vivimos. Y en este ejercicio erótico cargado de muerte que es Salomé de Chacra queda claro que el lenguaje cala en los cuerpos hasta límites insospechados. Y los cuerpos, entonces, terminan completando las palabras, dándoles un nuevo sentido, creando cierta subjetividad que hace visible lo invisible con aterradora naturalidad. No hablar la lengua del amo suele ser peligroso. Aunque acaso sea la única posibilidad de aspirar a otra vida.

Clarín (Juan José Santillán)

Un mito en versión nacional y popular. Mezcla de aquelarre y refinada guasada gauchesca. (…) Lo primero que resalta en este abordaje del mito es el modo en que se aparea el trabajo de cuatro notables actores con un texto elaboradísimo, barroco en la intimidad de sus procedimientos, y en la altura que alcanza al conjugar lo trágico con la humorada. En varios pasajes de la obra es dislocada la contundencia de lo dicho y surge un crisol de situaciones tamizadas, conceptualmente, con lo que Pirandello punteó como humorismo: ese resquebrajamiento constante de los territorios dramáticos signados por la aplicación de los contrastes. (…) Toda esta celebración de la carne logra una contundencia litúrgica por el diseño escenográfico y de objetos realizado por Norberto Laino. El espacio reproduce fulgurantes exvotos en un galpón de hacienda, piso de tierra y chaperío. Una calidad, la chapa y los fierros, que también se explora como plano sonoro en vínculo con la voz de los actores.

Revista 23 (Luís Mazas)

Un delicioso cóctel de clasicismo griego, gore, diablada, tabladillo telúrico y barricada de insurgencia. Este es un Kartun desatado y en estado de gracia, que juega zarpadas lingüísticas y alegres cacofonías (los estancieros “están” pero los hacendados, “hacen”) entre múltiples guiños delicadamente procaces. Un mix que es la sal de este espectáculo de hibridación de lenguajes y anarquía de formas con desopilantes hallazgos de ideas contiguas. Una escritura indisolublemente unida a su dramaturgia de escena y la dirección integral impresa al dispositivo escénico; orquestado sobre sus actores. Salomé de chacra no sería el producto brillante, inteligente, oscuro y hasta sórdido que es sin el extraordinario histrionismo bufón de Osqui Guzmán ni la mórbida creación de Lorena Vega como la mítica bailarina de “los 7 pelos”, el pastiche delicioso del voluble y caricaturesco Herodes estanciero de Manuel Vicente o la ductilidad de Stella Galazzi. Son cómplices necesarios de este espectáculo imperdible los sonidos de alambres vibrantes, las percusiones y soplos de viento de Tian Brass y la rica sugestión escenográfica y de utilería de Norberto Laino.

Los inrockuptibles (Ana Durán)

Sostener una hora y media de semiquietud en el escenario a pura actuación, es casi un orgasmo compartido (el desliz erótico está a tono con los serpenteantes vaivenes bipolares de esta Salomé) (...) Un tejido textual llamativo, único, irreproducible pero a la vez narcótico, como un mantra de frases que sintácticamente se armaron sin nexos o con estructura latina, de tal manera que, aunque sea castellano bien argentino, algo nos deja adentro y algo nos deja afuera. Y sobre el espacio escénico profano y colorido a lo Gilda o Gauchito Gil, el diseño sonoro sorprendente que no develaremos, y la iluminación hipnótica: mejor dejar algo para el espectador al que le recomendamos llegar temprano, sentarse bien adelante y olvidarse una hora y media del mundo que conoce, porque Salomé de chacra le va a mostrar otro un poco más extremo: el revés de la trama.

Tiempo Argentino (Natalia Laube)

El desborde, lo irracional, lo dionisíaco irrumpen en la Pampa argentina para dar vida a esta “trajoedia” (palabras del personaje de Osqui Guzmán, inspirado y brillante en un elenco igual de inspirado y brillante). Una trajoedia sagrada y profana. Es que en todos los personajes de Kartun, las acciones que proponen sus textos, permiten rastrear hechos e historias que construyeron la Argentina: su teatro nos permite pensar por qué somos como somos o, al menos, imaginarnos que algo de lo actual sería distinto si algo del ayer también hubiese sido de otra manera.

La Prensa (Juan Carlos Fontana)

Gentilmente bizarra, de una estética neobarroca, que despierta la emoción en el espectador a través de la hilación de palabras y conceptos, más que de la acción, Mauricio Kartun convierte a su obra en una especie de divertida y atractiva opereta de final poco feliz, que invita a rever fragmentos de una memoria olvidada. La escenografía de Norberto Laino y el diseño sonoro de Tian Brass le otorgan un fascinante entorno de pesadilla a ese retablo tan mítico como fantasmalmente surrealista.

TELAM (Osvaldo Quiroga)

Lo que viene trabajando Mauricio Kartun en su teatro es también la forma en la que el lenguaje se apropia del cuerpo. Farsa y tragedia, frases hechas y curiosas inflexiones de la lengua pampeana se hacen visibles en los cuerpos de los intérpretes y crean un idioma propio, tan fragmentado como nuestra historia y tan brutal y autoritario como los períodos más sombríos de nuestro pasado. En definitiva, hablamos como vivimos. En el teatro los cuerpos completan las palabras y pueden otorgarles nuevos sentidos. En la vida cotidiana también, aunque es más difícil de percibir. En épocas de dictadura el teatro y la literatura han buscado horadar el lenguaje hasta el límite de poder decir lo que se quiere decir a través de distintas figuras retóricas.

El camino que ha emprendido Mauricio Kartun en su teatro nada tiene que ver con los mecanismos habituales de preparación y estreno de una obra. Kartun suele ensayar un año sus espectáculos. Y esto se nota en escena. La indagación sobre la forma teatral que ha emprendido a través de sus últimas tres obras, y que recoge también la experiencia del teatro gauchesco y de distintas tradiciones teatrales argentinas, resulta un aporte decisivo para nuestro teatro.

Rómulo Berrutti

Es difícil de explicar, hay que vivir la experiencia. Porque es tan potente lo visual y tan desopilante la mascarada que el espectáculo atrapa en una conjunción de hondura y ridiculez, de burla ramplona y resurrección de la ceremonia en el altar sacrificial. La sangre lo tiñe todo, cuerpos y almas, la culpa se ahueca en la voz que resuena dentro del pozo y un estupendo retablo de candor funerario atiborrado de flores rojas, cabezas de reses y restos oxidados de labranza brinda un fondo de gran presencia escénica.

Radar (Mercedes Halfon)

El motivo de la carne y la sangre, de la res dividida, carneada, parece singularmente propicia para contar la historia de estos deseos igualmente carnales, de la fiebre producida por el amor y de la muerte sangrienta que se goza como un triunfo. ¿No es eso acaso un asado? ¿La cultura argentina no está atravesada por la vida y muerte de las vacas desde El matadero de Esteban Echeverría hasta hoy? (…) Es particular el cambio de un profeta importante para el cristianismo y otras religiones en la historia original, a un anarquista en ésta. Porque, finalmente, Salomé de chacra, en el fondo de sus capas de escritura, imaginario y mito, tiene bordadas algunas preguntas. ¿Quién es el dueño de la carne? ¿Qué es lo que determina esa pertenencia? ¿Es algo así como la Sociedad Agraria? ¿Es la política? ¿Es el deseo? ¿O la poesía?

Culturar. com - El portal del Teatro

Fastuoso trabajo de actores en un texto rico, nacional y conmovedor (…) Una vez más convocó a Osqui Guzmán que como se preveía parece ser diseñado para él el personaje. Es excelente la interpretación que hace de un gaucho, un peón de chacra, sumiso en su vida y rebelde en su interior a quien la bella Salomé quiere poseer. Manuel Vicente, el Herodes de la chacra, enloquece de deseo por la bella Salomé y entrega a su fiel y mejor peón en un acto de insensatez que le costará la vida. Vicente logra poner en su cuerpo y en su voz la transformación que se genera en este personaje que se va deteriorando en todo sentido. Una memorable actuación. Las mujeres de la obra no se quedan atrás. Todo se toma su tiempo y se va formando la trama (...) Kartun es un artista completo, argentino por donde se lo mire que lleva su idea hasta las últimas consecuencias. No claudica en honor el buen gusto. Avanza en escenas grotescas y hasta por momentos desagradables pero llega al fondo y lo muestra. Así nace lo que está, lo que se sabe, pero sólo algunos pocos quieren ver.

Artemisa. Periodismo de género para mujeres y varones (Larisa Rivarola)

Mauricio Kartun nos envuelve en una puesta en escena que satura visualmente (esto dicho en términos positivos), recargada y opresiva, un relato que opera como bella y violenta excusa para referirse a la conformación de nuestra identidad nacional, la diferencia de clases y el origen de las luchas sociales. La novedad es que la construcción se erige sobre la figura de las dos mujeres que describimos al inicio; y a través de ellas sobreviene un presente que compartimos. Un presente de maltrato no sólo de parte del victimario sino una violencia cuya víctima carece de consciencia respecto de aquello que sufre y a la vez, desde la misma insuficiencia, reproduce.

Ambito Financiero (Patricia Espinosa)

Una demoledora exposición de nuestros males patrios (...) Entre la tragedia y la farsa, el humor popular y la referencia erudita, Mauricio Kartun creó un texto rico en alusiones políticas y literarias, que continúa la línea iniciada con «El niño argentino» y «Ala de criados». En este caso, hay algo de homenaje (y también de parodia) al teatro griego, la lucha de clases, la ideología anarquista y a cierto «fatalismo telúrico» que recuerda al de Ezequiel Martínez Estrada en «Radiografía de la Pampa» (…) La escenografía de Norberto Laíno evoca un retablo de chapa acanalada lleno de exvotos, pero en realidad es el lenguaje mismo -caudaloso, coloquial y a la vez poético y pleno de musicalidad- el que ofrece las imágenes más impactantes y significativas de esta historia

Arte y espectáculo (Susana Salerno)

Son brillantes las actuaciones de Lorena Vega, Manuel Vicente, Osqui Guzmán y Stella Gallazzi, el autor incluye el humor y la poesía, con perspicacia y sutileza.

El Espectador Compulsivo. Un sitio para las artes del espectáculo (Marta Casale)

Kartun bucea en nuestras raíces nacionales desenterrando creencias populares y posturas ideológicas hasta llegar, incluso, al meollo filosófico – estar o hacer, parece ser el dilema- y lo hace jugando con el lenguaje, rescatando lo profano y hasta convirtiendo lo vulgar en poesía. Hay algo del orden de lo maravilloso en el resultado que mezcla vocablos en latín con expresiones que recogen y mixturan lo chabacano y lo más refinado. Kartun tensa al máximo el lenguaje y lo suelta repentinamente, jugando con las palabras hasta el ridículo, sin dejar de lado una profundidad reflexiva que le sale de taquito. “Vivo escudriñando cosas que habitan dentro de las cosas. Síntesis de liturgia acechando en la estructura ramplona de la farsa titiritera. Retro tábula altaris en su retablito. Concierto en su bochinche. Arte-facto en el cachivache”, sintetiza el autor con maestría el mecanismo de su obra. Queda claro: cada palabra es un lujo, incluso aquellas dichas simplemente como presentación en el programa. Excelente puesta en escena para un magnífico texto, Salomé de la chacra cuenta con las brillantes actuaciones de Osqui Guzmán, Manuel Vicente y Lorena Vega, acompañados por Stella Galazzi en un papel algo menor. El diseño de la escenografía, la iluminación y el vestuario saben explotar las líneas que explora el texto dramático, logrando un cúmulo de sentido.

Aquellos para quienes el lenguaje es sólo un medio para ir a “las cosas” deberán abstenerse.

A sala llena (Rodolfo Weisskirch)

Una puesta en escena perfeccionista, donde ni un objeto está de más, donde cada personaje tiene un posicionamiento escénico escalofriante, hipnotizador y los duelos de miradas, duelos cuerpo a cuerpo desprenden una sensualidad inusual es lo que contiene esta puesta en escena extraña y magistral. La fuerza de las imágenes y textos de Kartun hacen eco mucho tiempo después de haber visto sus obras. No solamente es increíble la forma en la que el verso cobra protagonismo, en que el lunfardo se vuelve el idioma común de los personajes, sino que la sensibilidad es especial. Desde el momento en que Osqui Guzmán sale a escena y abre el granero, que no es otra que abrir una caja de Pandora de donde salen todos los males, todas la tentaciones.

El trabajo de Guzman y Vega es soberbio, pero es Manuel Vicente quien se gana el escenario con su horrible (pero brillante) Herodes. Divertido y demagógico, tirano, brutal. El Herodes de Vicente se lleva las palmas. La sutileza de Galazzi es fundamental para justificar una presencia que tiene más relevancia de lo que aparenta en primer momento.

Cada gesto está calculado, cada paso, cada mirada, cada palabra. El vestuario y el arte, la iluminación enriquecen una puesta impredecible. Porque, a pesar de que conocemos el mito, no podemos dejar de asombrarnos y extrañarnos hacia lo que está sucediendo. Kartun logra que el espectador no comprenda enseguida lo que está viendo. Y pronto cuando queda al descubierto es realmente extraordinario. Como si viéramos el mito por primera vez. Es difícil encontrar un producto original en algo que ya fue tantas veces representado, pero el director lo logra.

Es un estudio sobre el grotesco y el teatro argentino, pero también una sátira, una poesía, un drama, una obra clásica, una comedia, un drama. Tan ambiciosa como pretenciosa, sutil pero honestamente provocativa. Consciente de todo esto.

Cuando se cree que ya todo se creó, Kartun da un giro de 180 º y sorprende con una obra inquisidora, que traspasa paredes, el tiempo y corta cabezas.

Show on line (Cecilia Alejandra Accorinti)

En cada uno de los personajes podemos ver el trabajo interno que realizan los actores para lograr el resultado que vemos en el escenario; si bien todos le ponen el cuerpo a la situación, me gustaría resaltar el trabajo de Osqui Guzmán, el mayor generador de climas, sea protagonista de la escena o solo se encuentre a un costado, sentado de espaldas al público.

Un trabajo integral de Kartun tanto en la dirección como en la dramaturgia digno de ver. Otra vez, una historia que puede parecer muy loca y por momentos incongruente, pero que con solo hurgar apenitas por debajo de la superficie, encontramos su discurso en contra del abuso y mal uso del poder.

Funciones: viernes a las 21hs, sábados y domingos a las 20hs

Teatro del Pueblo: Roque Sáenz Peña 943

Informes: 4326-3606

Entrada: $60. Viernes y domingos estudiantes y jubilados $35

Fuente: Simkin & Franco

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salome de chacra

Sábado, 14 Abril 2012 17:28

A Fleeting Passage to the Orient

A los treinta años, la emperatriz Sissi dejó de ser fotografiada por decisión propia, su belleza quedó eternizada a esa edad, y los últimos años de su vida fueron ocupados por permanentes viajes a lo largo y lo ancho del Mediterráneo, siempre de incógnito y cubierta por un parasol.

Así comienza la sinopsis de este documental lleno de poesía, misticismo, reflexiones profundas y otras no tantas.

El triunfo de la tecnología hizo de la fotografía algo cotidiano contra lo cual lucho la emperatriz. Rehusarse a llevar su vida acomodada y lleva de confort la llevaron a tener una vida donde jamás se detuvo. Como un actor que no quiere ser devorado por su personaje, Sissi relata cronológicamente y en off todos los lugares que visito.

El hilo conductor es justamente las memorias de Sissy quien es retratada en tercera persona. La cámara recorre como un turista más: Oriente, Egipto, y muchos otros lugares que devuelven en tiempo real el camino que busco para recrearse continuamente. Su contacto con personas diferentes y las 8 horas diarias de caminata, no solo dejaban exhaustos a su personal de seguridad sino que profundizaban su inquebrantable introspección y su irrenunciable búsqueda de nuevos horizontes donde seguir descubriendo (se), gentes, lugares y nuevas circunstancias.

Representación potente, relato simple, reflexiones inquietas y una vida exótica, excéntrica y cautivadora. Ruth Beckermann logro sutilmente que la voz femenina que enumera, cuenta, confiesa, infiere y descubre nuevos mundos lo haga de manera dulce, calma, acompasada marcando con su melodía el tono de A Fleeting Passage to the Orient.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición A Fleeting Passage to the Orient

Título Original Ein flüchtiger Zug nach dem Orient

Título en Inglés A Fleeting Passage to the Orient

Director Ruth Beckermann

Año 1999

Formato 35 mm

Color Color

Duración 82'

Producción:

• Dirección / Director: Ruth Beckermann

• Guión / Scriptwriter: Ruth Beckermann

• Fotografía / Cinematography: Nurith Aviv, Sophie Cadet

• Edición / Editing: Gertraud Luschützky

• Producción / Producer: Josef Aichholzer

• Compañía Productora / Production Company: Aichholzer Filmproduktion

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A Fleeting Passage to the Orient

Sábado, 14 Abril 2012 17:08

Kid-Thing

Sydney Aguirre interpreta a Anna una niña de 10 años. En medio del campo y en plenas vacaciones da rienda suelta a toda su libertad. Su vida será errante, salvaje, mezclando un infantilismo edulcorado con una crudeza y dureza perturbadora.

Un mayor la acompaña y de-forma su visión de la vida. Anna crecerá así en un descontento cada vez mayor. El espiral de oscuridad ira in-crescendo y nada para los remolinos interiores que la llevan a un grado de maldad cada vez mayor.

Impecable en su registro fotográfico, con tono impecable que conduce la trama sin bajar la expectación en todo el recorrido en los 83 minutos de cinta. El híper-realismo que documenta el film es directo, sin golpes bajos y concretos lo que lleva da destacar el trabajo de David Zellner a cargo de la direccion (tambien a cargo del guion).

Un pozo con una mujer que allí cayó establece un vínculo con Anna y sus propios demonios interiores. “¿Tu eres el diablo?”, le pregunta a la mujer.

Que si, que no. Va y vuelve. La ayuda. Luego se niega. Hasta un desenlace tan fuerte y concreto como la propia película.

La notable interpretación de Sydney Aguirre es el punto fuerte del film, que con su impronta lleva el film siempre a buen puerto. Ella se olvida de la cámara y hace de Kid-Thing un documento que testimonia la vida de una niña sin horizontes, alienada por la nada que la rodea y que espeja algo de lo mucho que acontece en la realidad del mundo contemporáneo.

By Hugo Manu Correa

• Intérpretes / Cast: Sydney Aguirre, Susan Tyrrell, Nathan Zellner, David Wingo, Mary Cameron House

Producción:

• Dirección / Director: David Zellner

• Guión / Scriptwriter: David Zellner

• Fotografía / Cinematography: Nathan Zellner

• Edición / Editing: Melba Jodorowsky

• Producción / Producer: Nathan Zellner

• Compañía Productora / Production Company: Zellner Bros.

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KidThing

Jueves, 12 Abril 2012 21:03

P-047

Desde el primer fotograma al ultimo P-047 nos sorprende con su narrativa siempre sorprendente en sus radicales cambios, con su fragmentacion brusca, con sus imbrincadas temas.

Dos personajes (Kong y lek) ingresan a departamentos cuyos dueños estan ausentes y alli se apoderan de ese lugar. No roban. Solo usurpan y toman posesion de todo. Se llevaran un poco de dinero, alguna camisa, pero fundamentalmente aspiraran para si todo lo que edifica la propiedad de los dueños y alli estara su mayor placer.

Kong es un aspirante a escritor y Let un cerrajero. Ambos contruyen una solida relacion y ambos articulan el trazo grueso de un film inquietante, singular y resbaladizo.

Urbana, hipnotica, thriller por momentos, en otro comedia, poetica y tambien mistica. P-047 en sus constantes saltos ahonda en lo existencial y hablando sobre la permeabilidad de todo en la vida, de lo poco que dura lo bueno.

Los pavos reales de hecho hacen el amor en solo 6 segundos: que bueno dira un bella joven, no tan bueno sera ello para el joven protagonista.

Un joven que esta internada huele todo lo que encuentra. Es su manera de entender el mundo. Ella cita un poema-metafora: en un incendio una pareja de enamrodas aves se encuentran con su pequeño hijo rodeado por el fuego. Se juran estar juntos pase lo que pase. Pero el macho no aguantara el calor y huye. Sera muerto por un cazador y su alma se encarna en otra persona. Luego toma el alma de un principe...pero tiene que abandonar ese cuerpo ya que no le pertenece.

Ese es el eje tematico que dispara el tema del film donde todo su relato. No convencial, distinta, dejando preguntas y algunas certezas. Con impecable fotografia, con una guion arriesgado y busquedas varias, con actuaciones naturalistas y con una solida direccion, P-047 es un film de palador fino aun en su laberintico rosario de temas.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición P-047

Título Original Tae peang phu deaw

Título en Inglés P-047

Director Kongdej Jaturanrasmee

País

Año 2011

Formato DCP

Color Color

Duración 96'

Reparto:

Intérpretes / Cast: Apichai Tragoolpadetgrai, Parinya Kwamwongwan

Producción:

Guión / Scriptwriter: Kongdej Jaturanrasmee

Fotografía / Cinematography: Umpornpol Yugala

Edición / Editing: Manussa Vorasingha

Producción / Producer: Soros Sukhum, Kongdej Jaturanrasmee

Publicado en Cine / Críticas

Etiquetado como

P047

Jueves, 12 Abril 2012 18:12

Vol Spécial

La inmigracion en Europa hace tiempo que dejo de ser tabu y se pone hoy en dia como un tema que acompaña la agenda politica de varios gobiernos.

   Vol Special aborda este tema a traves de varios indocumentados africanos que piden asilo en suiza.

   La respuesta de la justicia helvetica sera encerrarlos. Alli con lujo, buen trato, mucha comodidad, mucha camaraderia y esperanzados transitan sus dias. Aunque todos saben que indefectiblemente la espada de damocles recaera sobre ellos y el Vuelo Especial los deportara a sus paises.

"No robamos, no matamos, no andamos en nada raro, trabajamos, estudiamos y solo buscamos un futuro mejor", comentan al unisono y pacificamente documentan la realidad que de su piel pasa a sus huesos.

   Los propios celadores traban confianza y cariño por los propios presos quienes juegan al futbol, reflexionan sobre sus paises, sobre las contradicciones de la justicia suiza que los trata como animales.

El documental -impecalbe fotografia digital-, filmada en tiempo real, tiene un impecable acercamiento a cada una de los personajes y una indisimulable gran pre-produccion para logra retratar este destrato institucional y la desidia politica.

"Vinimos aqui porque nuestro continente ha sido destruido por ustedes (hombre blancos), para tener un mejor futuro y luego retornar a nuestros paises", dice uno de ellos ante la gestilucacion de un si tremendo por parte del resto de sus camaradas, quienes viven un duelo ante cada vuelo especial que lleva de regreso a uno de sus amigos-familia.

La muerte de uno de ellos por ser duramente tratado en el aeropuerto de Ginebra llega a los medios de comunicacion: Nada cambiara dira uno de ellos, solo si le pasa a uno de ustedes.

Gran pulso narrativo, dinamica, repetida en alguna parte pero como parte del proceso que busca retratar, sensible, emotiva, humana y actual...muy actual para un mundo que busca correr sus horizontes.

Este documental de Fernand Melgar es un joyita que nos concientiza sobre los avates que sacuden a Europa
que aun sigue empecinada (pareciera) en no tratar el tema con la adultez debida.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición Vol spécial

Título Original Vol spécial

Título en Inglés Special Flight

Director Fernand Melgar

País

Año 2011

Formato DCP

Color Color

Duración 100'

Producción:

Dirección / Director: Fernand Melgar

Guión / Scriptwriter: Fernand Melgar

Fotografía / Cinematography: Denis Jutzeler

Edición / Editing: Karine Sudan

Compañía Productora / Production Company: Climage

Publicado en Cine / Críticas

Etiquetado como

Vol Spécial

Jueves, 12 Abril 2012 18:00

Francine

Francine es un film descarnado. Oscuro de principio a fin. El realismo espezo y con muchas grietas se lo muestra con una honestidad y sin golpes bajos de en cada fotograma.

Melissa Leo (ganadora del Oscar por The Fighter), sobriamente y despojada de artificialidad realiza un retrato cabal de una mujer que sale de la carcel e intenta integrarse a la sociedad.

Francine tiene un vinculo distante, huidizo de la gente que la rodea, parafrasea monosilabos y su mejor comunicacacion la enuncia a travez de lenguaje corporal: dolido, distante, frio y desconfiado.

Narrado con escenas breves y con mucho primer plano, con el sonido (ruido) fuerte en grandes pasajes el cual nos habla de lo alineante de este personaje que tiene su mejor comunicacion con los animales, que los ama con toda devocion.

Perros y gatos por doquier habitaran su casa y con ellos se comunicara con un fluidez que distara mucho de por ejemplo su ocaciones amantes (mujer u hombre). Sus trabajos no duraran mucho. Su adaptabilidad al sistema flaquea. Sus emociones no le permiten (ni se lo permite), un contacto mas alla de la (gran) barrera que (se ha) impuesto.

Brian M. Cassidy, Melanie Shatzky (Direccion), nos muestran un retrato cabal, profundo y duro de personas que jamas logran insertarse en el sistema. Lo hacen con un minimalismo en los gestos actorales, con profundidad psicologica en el personaje interpretado por Melissa Leo, con tacto narrativo profundo, con una edicion dinamica y buscando siempre que las grietas se observen clarmente pero no dejar resquicio ni duda de que la dureza que vive (Francine), es tal que pega (y mucho), en el espectador.

By Hugo Manu Correa

Título de Exhibición Francine

Título Original Francine

Título en Inglés Francine

Directores Melanie Shatzky

Brian M. Cassidy

Países

Año 2012

Formato HD

Color Color

Duración 74'

Reparto: