Anatomía de un Dolor

Son épocas de revisionismo histórico en la Argentina. De no disimuladas luchas de poder en donde los actores políticos, periodísticos, intelectuales, culturales intentan imponer un (su) relato para decir que Argentina  es la que debió/debe ser. En el medio se asiste a una pelea de fondo (o en primer plano). Como la que vivió Argentina durante varias décadas de luchas internas que la degastaron y la sacaron de ese faro en el mundo que supo ser.

Parafraseando al genial escritor mexicano Carlos Fuentes lo periodístico sirve para entender, pero las novelas y la magia de los artistas sirven para comprender.

Esto es lo que se advierte al ver Bastarda sin Nombre. Obra revisionista. Representación que dibuja el como-porque y no el que sobre el génesis y prosecución de la vida de Evita que vive marcada a fuego en el corazón de millones de argentinos.

LA OBRA

Eva Perón aquí es esta en su pago. Allí donde se gesto la otra. La negrita. La cholita. La lagartija que escucha el sonido del tren. La que escucha la maquina Singer con la cual su madre gana su sustento. La de las calles de tierra. La que nació en Los Toldos y recorrió Chivilcoy o Junín.

Es la niña que vio el desprecio de padre para con su propia madre. Ese hombre fue un látigo, que dejo marcas con los azotes emocionales que infligió a su madre en cada visita y por consiguiente en esa niña.

Su inocencia vivencia el entrañamiento que le hicieron sentir los Duarte. Los legítimos. Su pureza pudo ver cómo le dividieron la cancha: Aquí uno y allá…lejos... los otros (ella).

En Espacio Abierto se respira teatro en cada uno de sus poros. Esa mítica colabora para  construir la mística de la obra.

La cual abarca el desprecio emocional del cual fue objeto, su característica revanchista de toda taurina y su arribo con el dolor incubado con el cual llego a la metrópli.

Bastarda… se construye en una relato en primera persona donde intercala (la propia Eva) lo autorefencial y omnisciente, con una acompañamiento en voz y guitarra de Mateo Margulis (impecable en todo el trayecto), que sirve para un distanciamiento Brechtiano, para darle cuerpo-sustento y aun mas poética a la pieza.

Eva (Roxana Randón) utiliza durante toda la composicion tanto la cuarta pared (rompimiento de la misma), como un espejo, ese en el cual se mira y reconoce todo el tiempo. Se reconoce como esa negrita del interior y que ni siquiera en la cúspide del poder permitió (auto) engañarse.

La dramaturgia (Cristina Escofet) es soberbia. Riquísima en citas y en el comprimido que recrea con sabiduría oriental la vida de este mito Argentino y Mundial. Pero no juega a lucirse, más bien a hacerlo con la historia y la propia pieza. Y lo logra con creces. Emocionando a los que están consustanciados con esta leyenda como aquellos que pudieran no estarlo.

ROXANA RANDÓN

La destreza con la cual construye el personaje conmueve. La brillante dramaturgia nunca se adueña de ella. La extraordinaria actriz argentina se apodera de cada emoción que encierra cada frase-palabra-concepto-metáfora para lustrarla aun más y cargarla de sentimiento.

Las contradicciones se las huele en el aire. Cada signo que describen la característica de Evita es pintado con la sensibilidad que solo elegidos poseen. Roxana Randón (nominada a los premios ACE 2010/2011 como mejor actriz) es una artística mayúscula quien por un instante es una niña indefensa y a la  vuelta de hoja sin otro artilugio que su cosmovisión interior muta a una mujer que da un discurso huracanado que logra erizar la piel.

CONCLUSIÓN

Bastarda…comienza como una neblina mansa que despoja del público el virus intelectual e ideológico con el cual podrían llegar. No es necesario tales prismáticos para ver/entender la obra. Así poco a poco pero sin pausa se comienza a comprender a esta magnética mujer. Vendrá luego una lluvia mansa que poco a poco humectara los como y porque se gesto este mito. La lluvia será mas tarde torrencial y se vera allí la anatomía exacta de una ser único, conmovedor, fantástico.
Bastarda …viaja al núcleo de un ser inmenso, que desde temprana edad advirtió el desdén-dolor que la marco en carne y espíritu.

Crítica de Hugo Manu Correa

Bastarda sin Nombre

Ficha técnico artística

Autoría: Cristina Escofet
Actuan: Roxana Randón
Músicos: Mateo Margulis
Vestuario: Julieta Guiser
Diseño de luces: Marco Pastorino
Música original: Mateo Margulis
Asistencia de dirección: Enrique Velay
Prensa: Martin Paladino
Producción general: Ricardo Verdi
Puesta en escena: Javier Margulis
Dirección: Javier Margulis
Duración: 60 minutos

Carabelas 255
Buenos Aires - Argentina
Tel:   4 328 1903

Identidad desconocida

La política de los gobiernos tiene en su agenda temas prioritarios que los exponen como punta de lanza en el escenario social. En Argentina el gobierno K, ha puesto el tema de los derechos humanos como una de las banderas de su filosofía política y lo ha hecho con tanta elocuencia que por momentos la exageración y/o impostación del tema ha quedado expuesto a que se le criticara dicha efervescente exposición.

El mundo artístico a través del cine, la TV y el teatro acompañan con mayor o menor riqueza artística, pero siempre con un fuerte compromiso, este tema sensible para la realidad política de la Argentina de las ultimas 4 décadas. Época en que la sociedad fue despojada de los  derechos humanos mas elementales y en donde muchos vieron trastocada su Identidad.

Justamente el mucho agua que ha corrido en estos últimos años en el tratamiento de derechos humanos y su transito por la sociedad a través de los medios de comunicación, es un “detalle” que tiene significancia en la obra de Carneiro Neto. Conociendo lo mucho que esta masticado este tema en el imaginario político-mediático-social, elige para exponerlo otro camino y lo hace con igual seriedad, con mucha solvencia y espesura, sin recurrir a golpes bajos, a la estridencia dramática ni a costados previsibles y redundantes.

"Por tu padre" tiene mucho de su brillo porque nunca tira el golpe directo sobre este espinoso tema. En la subtrama se esconde una verdad que logra poco a poco subir a la superficie. Cuando lo hace, el conflicto eleva la temperatura dramática y hace estallar las sorpresas. Es así como la obra adquiere una solidez mayor, potenciada por el brillo de las interpretaciones.

El conflicto, se centra en un hijo que carga con un  sufrimiento de culpa y de angustia soterrada que explota cuando quiere excomulgar su dolor en una iglesia. Allí interpelará a su padre y al socio de este último sobre su Identidad. La seducción que el amigo de su padre provoca en su madre, es el disparador en el que se apoya la obra. Este hecho, en la pieza, es demasiado para la moral conservadora que no soporta tal afrenta liberal de un Don Juan,  quien le esputa en la cara las verdades de un mundo más duro del que este joven concibe: un mundo despiadado en lo político, en lo social y mas visceral para su potente fragilidad.

“Que hicieron con mi identidad”, grita este joven que desde los 12 años viene soportando esa carga a través del coraje ineludible que debe tener para enfrentarse con sus propios demonios interiores. Lo grita en una iglesia,  lugar de culpa y de dolor donde tiene lugar la interpelación que hace a su padre y al socio de este. Ambos le dan la mayor sorpresa que jamás hubiera imaginado sobre Su Identidad que lo hace trastabillar en su vida debido a la fragilidad espiritual con la cual transito sus días.

La pieza es rica en diálogos de personajes quienes están delineados robustamente en sus perfiles. La dirección (Miguel Cavia) le dio elasticidad a los movimientos, y nunca la mecanización se apoya en artificios, siendo siempre la emoción la que puja de los cuerpos.  Las  discusiones, parlamentos, o retóricas estallan en los cuerpos y salen disparadas como un fuego que cruza el escenario cuya simple y soberbia puesta (Marcelo Pont) contiene y eleva esta sólida creación artística.

La composición de Adrián Navarro es sensible y precisa dándole consistencia al relato, y el trabajo de Federico Lupi es brillante de principio a fin intercalando con maestría las transiciones de los 3 personajes que compone haciendo olvidar que el reloj indica la hora y media que dura esta robusta y potente obra.

Crítica: Hugo Manu Correa

Por Tu Padre

Ficha técnico artística

Autoría: Dib Neto
Actuan: Federico Luppi, Adrian Navarro|
Producción general: Diwan Bacchi, Christian Cristofani
Dirección: Miguel Cavia

Almas hechas jirones

Bajar al fondo del Averno es fácil cosa. [ ]. Pero volver los pies atrás y subir a la luz arriba, he aquí un trabajadísimo negocio, una dura prueba.  (La Sibila a Eneas en la Eneida).

Crítica de Hugo Manu Correa-. Promediando la mitad del siglo pasado en “Hailsham” un conservador colegio Británico,  se desarrolla un historia en donde la enajenación, la manipulación, el adoctrinamiento y las falsas creencias  dan  marco a un drama duro, rancio, frío y doliente.

Las verdades ocultas es el tema. El conflicto subyace siempre en escena, pero nunca aparece impreso en la superficie. Se lo sugiere en cada cuadro, pero al mismo tiempo se lo muestra en cada fotograma que fue urdido con guantes de seda. Así se narra de manera impiadosa el precio a pagar por tan altos (y falsos) ideales.

Basado en la exitosísima novela de Kazuo Ishiguro (mencionado por la revista "The Times" como uno de los mejores 50 escritores de toda su historia)  esta criptica trama en donde las verdades ocultas son las que incuban el conflicto. Los internos de un colegio serán los rehenes de una sombría pero letal enajenación de la cual son objetos en la manera como construyen no solo historia, sino (y con ella), la propia memoria, la construcción del yo, la identidad y la responsabilidad.

El relato abre con un flashback que la lleva a Kathy H (Carey Mulligan) una carismática, dulce y talentosa joven a contar su experiencia. Ella es la punta de lanza del film quien describe sus reflexiones como pupila de un colegio donde tuvieron que vivir vidas dictadas por un prospecto tan sutil como devastador.

La voz en off (mayormente) de Kathy describe la pretérita historia que se apodera de cada retazo de este inmenso y conmovedor lienzo que fue disecando sus vidas. Tal así que esa propia mentira "tiene en su seno la ilusión", aunque ahora ya parece no tener remedio haber creído ella. Esa ilusión seco sus almas.  La inocencia de creer en ello y el verdadero amor los conducirá  a abrir la caja de pandora.

Las encumbradas normas los conducirán a la decencia, infiere la Srta. Emil, quien es la voz y presencia emblemática del instituto (estupenda Charlotte Rampling), pero los alecciona de tal manera que edifica emociones que fueron maceradas en falsa escuadra.

Allí, solo el amor y el tiempo pudo romper un cerco, que es tan filoso como la frontera demarcada por alambres de púas que sentencian sus fronteras (y creencias),  físicas, emocionales y espirituales.

Kathy H, Tommy (Andrew Garfield) and Rush (Keira Knightley),  son un triangulo tan fuerte que ni la decadencia del lugar y su posterior cierre pudo hacer caducar sus amistades. Ruth y sus sentimientos inferiores se rinden ante la pureza del lazo que une a Kathy y Tommy y el vinculo de amor los conducirá (inevitablemente), a buscar el veredicto de aprobación de quienes los incubaron. Sus estrictas morales y los valores que los edifican como humanos implosionaran y (ellos) quedaran devastados cuando la mayor sorpresa de sus vidas encuentre una respuesta...jamás imaginada.

Mark Romanek (Dirección) “pinto” un cuadro admirable de principio a fin. Se dice que un notable futbolista es aquel que no solo dan un buen pase, sino que el propio pase ya tiene el sello del próximo destino. Así está construido cada fotograma, que tiene la mano de un orfebre. Imprescindible mencionar el excelente trabajo fotográfico de Adam Kimmel

La admirable edición con extraordinario montaje (Barney Pilling) potencio los temas, los conflictos y la energía de cada personaje estando todos  notablemente balanceados.  Cada uno de ellos tiene el espesor necesario para sugerir y decir lo que los condiciona, lo que les pasa y en la tierra estéril por donde caminan sus vidas.

El diseño de producción de Mark Digby le otorgo potente escenario en donde se movió la historia. Un patio, un recreo y un juego. El balón que se va detrás de un perímetro enmarcado por alambres de púas. Esa es su frontera. Afuera hay un mundo macabro y ellos la defienden ante la nueva profesora que los escucha atónita ante “esa verdad”, la cual no se discute. Allí está un cerco,..Sus cercos. Es tan filoso como la frontera demarcada por alambres de púas que sentencian sus fronteras...físicas, emocionales y espirituales.

Mark Romanek  recreo una potentísima poética espacial. Los colores son mayormente tenues,  las sombras no son muchas pero tienen su fuerza cada vez que aparecen, tanto como las penumbras que contornea cada figura. Las plantas rodeando el colegio, o  un blanco total que solo aparece en la playa donde uno de los tres se excomulgar del lugar, construyen una textura bi-dimension y tri-dimensionalidad para edificar el espectro que enmarca la densidad que oprime el alma de esos jovenes.

El trasplante de órganos y el estar adelantados en su tiempo para ser decentes con el prójimo esta explicitado todo el tiempo en la cinta, aunque es solo la primera capa de una historia, cuyo calvo de cultivo se cocina mas en el fondo. La savia de la alegría de la juventud, ha sido absorbida. Lo importante se mueve en una espesa bruma, la verdad aparece difusa (y falsa),...y lo que es peor, solo se desnudara con la espada que otorga el tiempo y el inmaculado amor.

El film muestra a personajes diseñados de manera notable en todos los casos.  Keira Knightley inmanta la pantalla cuando aparece en la segunda mitad del film.Charlotte Rampling y sus pocas apariciones elevan por su propio peso específico la calidad del film. Aunque hay dos creaciones actorales que son las columnas del film. Uno de ellos es Andrew Garfield quien realiza una trabajo impecable. De todas maneras el trabajo de Carey Mulligan (ganadora de un premio BAFTA y candidata al Oscar) es portentoso. Ella es la locomotora del film y en el tono magistralmente construido esta la textura del film. Su cara, su mirar, su reflexion ante las púas que dejaron jirones y cicatrices en su alma esta una construcción poética fantástica. Se edifico  allí  una postal cinematográfica que logra mimetizarze y revelarse en el interior de cualquier espectador en el cual  habita eso que se llama Alma, sintetizando una creacion (la suya) y del film prodigioosa.

Película: Never Let Me Go (Nunca me abandones).
Dirección: Mark Romanek.
Países: Reino Unido y USA
Año: 2010.
Duración: 105 min.
Género: Drama,  romance.
Interpretación: Carey Mulligan (Kathy), Andrew Garfield (Tommy), Keira Knightley (Ruth), Charlotte Rampling (Srta. Emily), Sally Hawkins (Lucy), Isobel Meikle-Small (joven Kathy), Ella Purnell (joven Ruth), Charlie Rowe (joven Tommy).
Guion: Alex Garland; basado en la novela de Kazuo Ishiguro.
Producción: Andrew Macdonald y Allon Reich.
Música: Rachel Portman.
Fotografía: Adam Kimmel.
Montaje: Barney Pilling.
Diseño de producción: Mark Digby.
Vestuario: Rachael Fleming y Steven Noble.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
Estreno en Reino Unido: 11 Febrero 2011.
Estreno en España: 18 Marzo 2011.
Estreno en Argentina: Cuarta semana de marzo.
No recomendada para menores de 7 años.

Conciencia Modificada

(*)-. Hereafter narra la vida de tres personas sin vínculos entre sí, los cuales de modos bien diferentes han tenido contacto con la muerte. Las historias progresivas son narradas en paralelo, teniendo el relato la fragmentación como recurso. 

Marie (Cécile de France) es una bella y exitosa periodista francesa la cual sobrevive dramáticamente con su pareja al tsunami asiático de 2004, hecho el cual le hará ver desde otra perspectiva eso que se llama realidad. Por otro lado, George (Matt Damon) es un trabajador manual que no quiere hacer uso de sus poderes psíquicos. En tanto que una drogadicta británica (Lyndsey Marshall), no puede darle contención a sus hijos mellizos, uno de los cuales encuentra la muerte trastocando así la vida de su hermano Marcus. 

Clint Eastwood nuevamente hace gala de su magistral pulso narrativo poniendo de relieve un tema espinoso y misterioso como lo es abordar la muerte. Lo notable de la trama es que siendo un tema existencialista no ingresa justamente en el camino de la autoayuda.

Este último elemento, dado que el mercado editorial ha inundando librerías en los últimos años con temáticas de este porte,  no es transitado, más bien lo contrario logrando asi enmarcar al film en un lugar sobrio lejos de caminos resbaladizos o poco confiables.

En “Hereafter” no se sigue el camino fácil y obvio, sino mas bien el contrario. El octogenario Clint  aborda el tema que la humanidad occidental menos  le gusta hablar, como lo es la muerte y lo hace de manera rigurosa, adusta, sin malabares baratos en el aire.

“Hereafter” (sucesión de momentos su literal traducción), es respetada a rajatabla en cuanto a dicha descripción temporal. El director ingresó de lleno pero sutilmente por ese interciso que se abrió a través de la tragedia que trastoco la vida de los tres personajes. Actores y dirección dieron vida a sujetos que no llenan de artificios sus dolencias. Las características son de personajes sensibles, distintos en sus dinámicas interiores pero iguales en su sobriedad interior y la huella-herida que se advierte en sus rostros. Se evidencian en ellos vidas ajadas y alejada de eso llamado felicidad.


El “tour da force” de la secuencia inicial impacta por los recursos técnicos (Steven Spielberg –productor ejecutivo), lo propio que la brillante fotografía que contiene una textura mayormente ganada por colores sombríos. La iluminación aquí juega un rol clave pues en cada escena conjugan con una precisión admirable por un lado, el mundo actual, ganado por luminosos carteles, o locaciones con cierta fosforescencia y planos abiertos. En otros planos en tanto vemos una textura apagada enmarcada por planos cerrados, haciendo advertir la edificación interior de  personajes atravesados por esa astilla llamada angustia. 

El mundo “seguro” de Marie se ha desvanecido. Su fama, su prestigio y su bienestar se han esfumado. Es el precio que debe pagar por dar a conocer su realidad interior. George es tironeado por su hermano para que acciones su don, pero este le dice que eso en realidad “una maldición”. El pequeño Marcus en tanto está  conflictuado aunque acciona buscando a alguien quien lo ilumine en el tenebroso túnel en el cual "anclo" su vida.

Clint Eastwood no mezclo muchos ingredientes en una licuadora para que el film resulte más “impactante”. Más bien tomo pocos componentes y los deposito en una olla dándole una tranquila y suave cocción. El guión (Peter Morgan) dibuja el universo de todos los personajes con maestría, dándoles a estos breves parlamentos, apoyados en silencios y en sus "resquebrajados" procederes. 

Los personajes sobrellevan sus conflictos pero esto no logra detenerlos, aunque sus avances mayormente no logran ser bien traducidos al mundo profano. Las acciones y las dinámicas escenas le imprimen al film una cadencia que tiene siempre un tono reposado,  logrando trasuntar el espíritu de quiebre de los personajes. Siendo este un componente vital, algo así como la columna vertebral que da el clima justo de la emocionalidad y quiebre espiritual que siempre recorre la trama. Aquí es clave el admirable montaje y las breves escenas que confluyen en un robusto relato 

George, Marie y Marcus han experimentado el ingreso a otro nivel de conciencia. La sucesión de hechos vividos los hace transitar mejor el presente siendo mas consiente de la fragilidad de la vida y de la propia finitud. Esos resortes son reflejados con la maestría de C.E. quien condensa una creación que acaso tiene su única macula en su desenlace que tranquilamente pudo tener una menos previsible recorrido para su "previsible" final. De todas maneras, no logra hacer mella resultando ser un film mayúsculo, que invita -inevitablemente- a la reflexión e impactando de lleno en la conciencia de los espectadores.


(*)-. Crítica de Hugo Manu Correa

Película: Más allá de la vida. ( Título original: Hereafter )

Dirección: Clint Eastwood.
País: USA. Año: 2010.
Duración: 124 min.
Género: Drama.
Interpretación: Matt Damon (George), Cécile De France (Marie Lelay), George y Frankie McLaren (Marcus/Jacob), Jay Mohr (Billy), Bryce Dallas Howard (Melanie), Marthe Keller (Dra. Rousseau), Thierry Neuvic (Didier).
Guion: Peter Morgan.
Producción: Clint Eastwood, Kathleen Kennedy y Robert Lorenz.
Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach.
Diseño de producción: James J. Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en USA: 15 Octubre 2010. Estreno en España: 21 Enero 2011.
No recomendada para menores de 7 años.