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Lunes, 18 Julio 2011 17:01

Yo amo a mi maestra normal

 

 

Maestras Desesperadas


Yo amo a mi maestra normal es el tercer unipersonal escrito e interpretado por el genial actor Juan Pablo Geretto, basado en sus propios recuerdos. Sigue en el Multiteatro. Ahora nominado al rubro Mejor actuación masculina en obra de un solo personaje para los premios ACE.

 

 

El formidable actor santafecino arribó a la avenida Corrientes con un nuevo y agudo unipersonal: Yo amo a mi maestra normal en el que provoca desovillar nuestra propia madeja de recuerdos de escuela, tanto de alumnos como de maestros.

 

Puede verse a señoras grandes en a sala, descostillarse de risa y asentir con todo el cuerpo las frase y actitudes que representa Juan Pablo Geretto en el escenario en una muestra muy expresiva de la identificación de con todo aquello que ven.

 

Según el mismo Geretto son vivencias y búsquedas, pero por sobre todo, una devolución de amor hacia quienes nos guiaron desde los primeros pasos. Es una obra que no pretende juzgar ni hacer un homenaje sino revive la maestra típica de su infancia. La maestra ha sido uno de los personajes más influyentes en la vida de cualquiera que haya pasado por al escuela pública. En general vivían en el mismo barrio y por todos conocida. Era casi una institución, a veces temida pero siempre respetada. Eran mujeres de carácter fuerte con un aire autoritario a las que les gustaba mostrar lo que sabían siempre en un tono algo despectivo y sabiondo que Geretto logra fantásticamente. Un acierto del actor en la elección del personaje.

 

Geretto es un maestro, él también un muy buen maestro, en representar mujeres. Toma simplemente los recuerdos de su infancia, escribe y sale al escenario en la piel de ellas como lo hizo también en Como quien oye llover. Transmite la felicidad que siente en el escenario.

La historia se hilvana a partir de la maestra en un acto escolar. La puesta de la obra, diseñada por Ana Sanz, es ascética. Tratamos de crear un ámbito de caja negra, que no tuviera absolutamente nada pero que las cosas pasaran por las paredes, contó el actor a la prensa.

 

Ficha técnico artística

Autoría: Juan Pablo Geretto
Actuan: Juan Pablo Geretto
Puesta en escena: Ana Sans

 

MULTITEATRO

Corrientes 1283
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4382-9140
Web: http://www.multiteatro.com.ar
Entradas desde: $ 120,00 - Domingo, Miércoles, Jueves y Sábado - 20:00 hs 
Entradas desde: $ 120,00 - Viernes - 21:00 hs 
Entradas desde: $ 120,00 - Sábado - 22:00 hs

 

 

 

 

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Viaje a otro mundo en clave de humor

(*)-. "No les avise, ni a los de allí ni a los de acá”, así se manifiesta Clara (Luisina Di Chenna) en referencia a los dos mundos en los que transita su vida y que sólo ella conoce. Uno es su delicado estado de salud que lo atraviesa rodeada por quienes la cuidan, y el otro es el lugar hacia donde viaja en medio del trance que recorre.


La expresión de Clara sintetiza el soporte por el cual viaja "La Ultima Habitación", hermosa obra que está concebida en clave de comedia, y que recurre al clown para descomprimir aun más la realidad, cuyo relato tranquilamente pudo ser mucho más denso. Su grave estado de salud es el centro de esta “tragedia”, que mantiene en velo a un doctor y a su enfermera al igual que a El Negro (esposo de Clara)

Solo 48 hs. le quedan a Clara de cobertura médica y ese es otro conflicto que los enfrenta al doctor (Maximiliano Trento) y a su enfermera Mabel (Sol Lebenfisz), quien junto a El Negro (Gabriel Páez) confía que Clara tendrá la recuperación de su salud. Sin embargo, Clara en medio de la espesa realidad logra captar cuanto la rodea. Ella consigue saber (en Su Despertar) que el doctor es un buen cantante, que su enfermera es una buena persona y que El Negro, sigue queriéndola, y que está a su lado para acompañarla.

 

A la plasticidad en los cuerpos -cuya elasticidad y elegancia esta bien aceitada y despojada de artificios- se le suma una puesta que colabora con la frescura que recorre la obra. Dicha habitación posee los elementos básicos de una sala de sanatorio, pero aquí tiene los colores blanco y celeste enaltecidos con una precisa luz que borra lo oscuro que suele apoderarse en estos lugares.


Un gran logro se advierte en la sincronización que hay entre la dramaturgia y la dirección (Walter Velásquez). En boca de personajes estupendamente bien compuestos, el texto siempre es sopesado con justas intenciones para luego salirse de su cauce normal y descolocar con sus “salidas”. Allí el cuerpo acompaña esta decisión y lo hace auxiliado por una buena plasticidad  dónde el clown tiene un rol preponderante.

En el rubro de gran acierto merece subrayarse el soporte de video arte (Agustín Demichelis), que fue elegido para dar a conocer la noticia del milagro de la recuperación de la salud de Clara. Los graf con las noticias hacen de la delicia del público y este elemento ocurrente y acertado va en sintonía con la personalidad de los 4 personajes, subiendo así la apuesta, sin por ello perder la sólida estructura con la cual viaja esta buena comedia.

La música tiene un rol muy destacado siendo un actor más que colabora con la puesta en escena, dando a conocer la paleta de colores de las emociones de los personajes. Las melodías van al compás de la filosofía y del carácter de estos cuatro protagonistas queribles y simpáticos, que todo el tiempo “se burlan” de la seria situación, y logran descomprimir la densidad que los rodea con un gran trabajo actoral, al igual que los restantes rubros de esta equilibrada y hermosa obra.

(*)-. Crítica realiza en 2009 por Hugo Manu Correa

 

Esta creación colectiva fue nominada a los premios ACE a Luisina Di Chenna como Actriz Revelacion 2009.
"La Ultima Habitación"... estuve en cartel en 2009, 2010 y 2011

 

Elenco: Luisina Di Chenna, Gabriel Paez, Gonzalo Alfonsin, María Jimena López
Dramaturgia y Direccion: Walter Velazquez

Asistente de dirección: Flavia Salto 
Asistente: Belén Pedernera
Diseño de luces: Ricardo Sica
Escenografía: Ariel Vaccaro
Vestuario: Soledad Galarce
Videos: Agustín Demichelis
Fotografías: Clara Muschietti 
Producción ejecutiva: Andrea Feiguin
Diseño gráfico: Cristian Palacios

 

 

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Martes, 05 Julio 2011 01:24

Naturaleza muerta

Esta nueva propuesta del espacio teatral Polonia, presenta la particularidad de desarrollarse en un espacio no convencional, el mismo es la cocina de la casa, un PH que se nos presenta habitado por tres seres, el padre, la madre y la hija.

 

A primera instancia uno podría pensar en una escena cotidiana: la de una mañana con los tres protagonistas hablando de sus vidas, sus deseos y sus sueños incumplidos. Si, principalmente sus sueños, ya que los tres protagonistas nos irán develando sus sueños, el padre pintando o tratando de hacerlo, la hija en un momento de su vida sin mayores ambiciones y el personaje de la madre, debatiéndose entre su cotidiano y lo frustrante de su vida.


Si bien la obra pretende plantearnos una mirada de estas vidas, de estos sueños no cumplidos, los ejes dramáticos de la pieza no logran trasmitir con toda su fuerza ese vacío, quedándose a medio camino, dejando como resultante un planteo vacuo .


El espacio nos ofrece por una lado una extrema proximidad con los protagonistas, como si compartiéramos esa cocina, siendo partícipes de su quehacer cotidiano, implicando con ello riesgos y ventajas  que los protagonistas no logran aprovechar del todo.

Planteada como una puesta realista , las actuaciones no logran trasmitirnos las emociones que pretenden, presentando un registro neutro en el caso del padre y la hija. Sólo el personaje de la madre se nos revela con una carnadura mayor, transmitiéndonos sus emociones con mayor intensidad.

 

Ficha Artística

Actúan: Virginia Mihura, Verónica Volman y Julián Smud
Iluminación: Ricardo Sica
Diseño gráfico: Petre
Prensa: Simkin & Franco
Asistencia de dirección: Laura Sbdar
Dramaturgia y Dirección: Claudio Mattos
Funciones: viernes a las 21 hs y a las 22 hs
Espacio Polonia: Fitz Roy 1477 (timbre P)

 

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Martes, 28 Junio 2011 00:59

La constancia del viento

¿Qué más puede pasar?


María Clara (Clara Virasoro) llora por lo que lee en una roja e insinuante carta y por su pequeño pajarito muerto, al que toma con sus manos. En su gesto puede verse un llanto perpetuo marcado por el corrimiento del rímel. A María Clara, blanca y pura se le acerca Malva (Cecilia Miserere) la mezquina dueña de la casa. Malva domina el escenario con su ceguera, artilugio que la ayuda a permanecer impune frente a sus caprichos y exigencias. María Clara limpia la casa y Malva da órdenes .  En esa situación, las protagonistas mencionan el estado de salud de la yegua, con la que se accidentó Malva, y la situación de la tía de Malva, a quien cariñosamente María Clara la siente familia, al menos en un comienzo.  En esa casa vive también Juan Martín (Martín Paladino), el esposo de Malva que sufre por amor y por la situación funesta de su mujer.


En este brevísimo relato argumental la acción de la obra sucede velozmente, dándole una dinámica a la obra propia de los melodramas, donde las situaciones se mantienen ocultas para develarse brutalmente. Esta continuidad de sucesos trágicos en abundancia, hacen que junto a los   gags y los gestos propios del melodrama, que los actores manejan a la perfección, nos provoquen un estado de gran comicidad. Y esto aflora, a pesar del carácter serio con que se trabaja el género al mantener los roles de los personajes y el desarrollo de la trama dentro de sus códigos. Así, Malva será la villana, Juan Martín el héroe y María Clara la víctima, pero encarnaran estos roles llevando al extremo ese histrionismo, que el propio género ofrece. 

En este sentido, sin llegar a ser una parodia, toma algunos elementos del melodrama y los lleva al extremo volviendo risueños los gestos, los movimientos de los cuerpos y la propia trama.  Por este motivo, seguramente nos riamos con la escena donde frente a un fuerte conflicto entre Malva y María Clara, se congelan los cuerpos armando imágenes progresivas de ese trance, que ayudado por la iluminación logra armar una pequeña fotonovela, tales como las que publicaba Radiolandia en los años cincuenta (un nuevo homenaje al melodrama que visto desde nuestros días resulta apreciablemente cómico)

Brillantemente la puesta en escena potencia todos estos elementos, trabajando con unos pocos objetos que determinan esa habitación gris, que encierra y asfixia a los personajes, una habitación que con pequeños cambios marcará un nuevo día y el fatídico paso del tiempo para todos. Un espacio que será climatizado por un rojo sangre en la pared del fondo que se propaga en las plumas de un nuevo pajarito y en la carta enviada a María Clara. Y del mismo modo funciona el vestuario, marcando lo oscuro en Malva por su vestimenta negra y la utilización de su bastón blanco como bastón de mando.

En este contexto y con estos códigos la puesta remata con los distintos boleros ubicados en lugares estratégicos de la trama, que no hacen más ni menos que acompañar el desarrollo de la misma. Ya que ellos serán los que describan la situación dramática que atraviesan, sobre todo María Clara y Juan Martín.

En definitiva “La constancia del viento” es una propuesta que apuesta a disparar nuestra mente hacia otras asociaciones que nos hacen recordar todos esos lugares comunes que transita la víctima, la villana y el héroe en este género melodramático que tanto se narra y tanto se sigue disfrutando, quizás ya desde la comicidad que provoca hoy en día el exceso de sucesos trágicos.

La constancia del viento
Dramaturgia y dirección: Pablo Iglesias
Puesta en escena: Grupo Libertad 18
Intérpretes: Clara Virasoro, Clara Miserere, Martín Palladino.
(Actrices asistentes: Gabriela Perisson y Lina Otamendi.)
Buenavía Estudio, Córdoba 4773, 4771-8901.

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Domingo, 19 Junio 2011 20:16

Nada del amor me produce envidia

La costurera que dio un gran paso.

Nada del amor me produce envidia, afirma María Merlino  (única protagonista de la obra escrita por Santiago Loza y dirigida por Diego Lerman)  y con aquella afirmación termina de cerrar la construcción de su mundo. Mirar el mundo de la costurera,  es introducirnos en el melodrama, en el tango, en la heroína pasiva que espera un giro extraordinario en su vida; pero sobre todo es entrar en la variante femenina entre Libertad Lamarque y Eva Perón, y por supuesto es ingresar a la anécdota del cachetazo, al recuerdo de La cabalgata del circo (1945) y a una nueva historia producida por el autor: la lucha entre Eva y Libertad  por un vestido creado por la protagonista.


Si bien incorporar a personajes como los nombrados puede parecer una mera introducción histórica, son en definitiva el eje que construye el cambio en la vida de la costurera.  Introducir personajes históricos de este tipo, con el fin de comparar sus vidas con el de una costurera , es tratar de ver la reacción de una mujer común frente a una decisión que la ubica, por una vez, en un lugar de poder.

Entonces, el melodrama musical, que se pinta con un gran patetismo, comienza a llenarse de otros significados que superan el simple sufrimiento por desamor. Ya no es una mujer resignada a la soledad, porque la temática la sobrepasa, porque la temática busca, en definitiva, mostrar sus frustraciones y su incapacidad para tomar decisiones.


Y entonces ¿Qué hace una mujer que tiene a  un maniquí como interlocutor? ¿Qué hace una mujer que tiene como mundo único una máquina de coser y su trabajo? ¿Qué hace una mujer que acata órdenes constantemente? ¿Qué hace una mujer cuando una fantasía, como incorporar un elemento extraordinario a su vida, se convierte en algo real y concreto? ¿Decide o deja que una vez más los acontecimientos se precipiten? Quizás, estas son algunas de las preguntas que me mantuvieron atenta al desenlace de la obra.

Porque es inevitable identificarse con un personaje común, con un personaje que lejos de atribuirse el aura que se construye en los mitos, derrocha humanidad y busca, desde su pequeño espacio,  ser.

 

Festivales

Marzo de 2009, Teatro Le Ring  de Toulouse, Francia
Setiembre 2009, Presentación en la ciudad de las Heras y Caleta Olivia
Septiembre 2009, 1º Festival de cine y video Rio Negro Proyecta
Octubre de 2009, Festival Internacional de Buenos Aires
Octubre de 2009, Ciudad de Neuquén y Cutral-Co
Noviembre de 2009, presentación en Benito Juarez, Teatro el Sombrerito.
Seleccionada para participar de la Fiesta Nacional del Teatro 2010– INT
Festival de Rafaela 2010 – Prov. De Santa Fe
Festival Cervantino – Azul – Provincia de Buenos Aires

Ficha técnico artística

Texto: Santiago Loza
Actuan: María Merlino
Escenografía: Silvana Lacarra
Iluminación: Fernanda Balcells
Vestidores: Guido Lapadula
Diseño gráfico: Florencia Bauza
Asistencia de escenario: Ezequiel Baquero
Prensa: María Sureda
Producción: María Sureda
Colaboración musical: Jape Ntaca
Director musical: Sandra Baylac
Dirección: Diego Lerman


Web: http://nadadelamormeproduceenvidia.blogspot.com
Este espectáculo formó parte del evento: VII Festival Internacional de Buenos Aires - FIBA 2009
Este espectáculo formó parte del evento: Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2009
Este espectáculo formó parte del evento: 25º Fiesta Nacional del Teatro en La Plata
Este espectáculo formó parte del evento: Azul soy Quixote: IV Edición del Festival Cervantino

 

 

 

 

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Lisboa es bella. Lisboa no es sólo bella, es bellísima, pero detrás de cada callejuela encantadora y descolorida, detrás de cada sonrisa lisboeta de brillosos ojos, se desnuda la nostalgia, la tristeza y la saudade.


En cada imagen de Lisboa suena un fado, un gemido suave y melancólico, que le canta al dolor y al vacío de la existencia humana.

Lisboa, el viaje etílico es un estallado mosaico de fragmentos de videoclip, postales musicales de oscuros personajes que habitan la ciudad triste. Heridos, miserables, decadentes y desagradables, ellos se exhiben con crudeza, vomitando sus pensamientos amargos y patéticos, pero nunca solemnes.

Allí, en el barrio de Alfama, pasean la guía de sonrisa desencajada y voz de terciopelo (Dolores Ocampo), el fadista, melódicamente silencioso (Ariel Perez de María), la extranjera de palabras sabias pero incomprensibles (Myriam Henne- Adda), la lastimosa mujer abandonada (Marina Lovece), el hombre etílico y violento (Victor Labra), la fanática del reggaeton y adicta al sexo (Raquel Ameri), y el turista en el súmmum de la imbecilidad (Facundo Cardosi), acompañados por una marea de alcohol y música –deliciosa música que acaricia para atenuar el dolor de tanta palabra hiriente.

Mariela Asensio es directora de Mundo amapola, Hotel melancólico, Crudo y de la futura trilogía Mujeres en 3D, que ha estrenado su primera parte Mujeres en el baño; y actriz en algunas obras de José María Muscari (Feizbuk Hoy y Míticos, Auténtico, Catch), que indudablemente dejó su huella.

Asensio no esculpe los personajes: ella los escupe y espeta sus cuerpos para llegar a la esencia. El resultado de la obra es un desgarro, y en la rotura algunos trozos se desarman, a veces demasiado. Imperfecta, rasgada y triste.

Viajar a Lisboa vale siempre todas las penas.


Ficha técnico-artística

Dramaturgia: Mariela Asensio
Actuan: Raquel Ameri, Facundo Cardosi, Myriam Henne-Adda, Víctor Labra, Marina Lovece, Dolores Ocampo, Ariel Perez de María
Vestuario: Vessna Bebek
Escenografía: Nicolás Botte
Diseño de luces: Ricardo Sica
Realización de vestuario: Nancy Murena
Musicalización: Hernán Crespo
Fotografía: Juan Borraspardo
Asistencia de dirección: Anahi Ribeiro
Producción ejecutiva: Mariana Rincón
Dirección: Mariela Asensio
Web: http://www.lisboaelviajeetilico.com

TEATRO DEL PUEBLO

Av Roque Sáenz Peña 943 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-3606
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar
Entrada: $ 50,00 y $ 25,00 - Viernes - 23:00 hs

 

 

 

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Es un proyecto que emerge de la pasión de tres grandes actores por el teatro apostando a la creatividad, investigación e improvisación.  El resultado es indudablemente fascinante.  Esta obra se presenta cada viernes a las 22hs. en el Espacio Cultural Ernesto Sábato.

 

La dirección está a cargo de los mismos actores Solange Risuelo y José Luis Alvarez, que en esta oportunidad también se luce con una brillante, coloquial y eficaz dramaturgia; se trasluce en los registros lingüísticos de los actores  que acompaña fielmente a las composiciones de los personajes siendo representante  de un determinado estrato social.

En “Desde el alma” una mansión es la protagonista, ya que en torno a ella que se desarrolla el conflicto en cuya historia esta contextualizada una época dónde la creencia religiosa es el eje de la vida terrenal, y en donde  todos los que crean en él serán los  triunfadores y bendecidos.

 

Esta mansión está habitada por dos mujeres, una es Dora (Solage Risuelo)  quien personifica la incredulidad, la amargura e infelicidad. Ella sólo cree en el amor que una vez sintió y se encierra y aferra en él. La casa representa su amor materializado.

Lita (Teresita Rellihan) personifica la sencillez, la alegría y felicidad regocijándose  en su fe inquebrantable y afianzándose en cada santo existente sobre la faz de la tierra. Así mismo esta José Luis Alvarez, que se mimetiza y de adapta de acuerdo a la situación pudiendo ser  el ángel mediador, protector y justiciero entre ellas; pero también puede ser el catalizador del mal. Pero finalmente cada uno cosecha lo que sembró.

Las interpretaciones son simétricas, transitan sobre el escenario con elegancia y seguridad con un buen manejo corporal acompañado de ademanes, gestos y miradas.  Los discursos de los personajes  de principio a fin  están atravesados  y empapados de humor, uno de los puntos mas destacados de la obra.

Las destacadas actuaciones están acompañadas con adecuados vestuarios y enseres,  correctos en cada una de las caracterizaciones. Al mismo tiempo están anclados en una minimalista y funcional escenografía, constituyéndose en un elemento ineludible a la hora del despliegue de la historia.  La iluminación no pasa desapercibida, además de cumplir con su rol en  crear climas, es el separador de actos y del paso del tiempo en la obra.

 

“Desde el alma” es el emblema del teatro realista, logrando sumergir al auditorio en un vals de nuestra cotidianeidad. Es ver y sentir que nuestra conciencia tiene una voz.

 

 

Dirección: Solange Risuelo y José Luis Alvarez

Dramaturgia: José Luis Alvarez

Actúan: Solange Risuelo, Teresita Rellihan y José Luis Alvarez

Iluminación: Pascual Criniti

Escenografía: Mariana Berardi y _Justina Costa Achával

Fotografía: Guillo Martinez Bo

Musicalización: Alejandro Santos

Prensa: Martín Paladino

Asistencia de Direccion: Justina Costa Achával y Mariana Berardi

 

 

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Jueves, 02 Junio 2011 21:10

El diario de Carmen

Desdén de una mujer entre la fantasía y la realidad

Carmen y Juan, Gaby Ferrero y Mauricio Minetti, dos personajes, dos actores en una puesta teatral de Luis Cano. Una escenografía que parecería imitar el living de una casa pero es más que eso, porque el papel de la pared hará confluencia con el sweater de Carmen, por ejemplo, en las ideas de ella, en sus imágenes, en su realidad transformada en lenguaje de un diario íntimo. Y en ese lenguaje, acciones menores que retrasan el conflicto interno de esta niña/mujer, sus miedos al afuera y su dificultad para formar un vínculo sólido con Juan. Fantasía o realidad que se incorpora en su vida con poca decisión.

Una narrativa que da cuenta de su naturaleza y a su vez de la naturaleza psíquica del personaje que crea, así las dudas y las evidencias, de fallar o inventar los recuerdos, se hacen presentes. Entonces, hay teatro. Hay teatro porque las modificaciones de la trama parten del acto efímero de la memoria, del acto efímero de la memoria del espectador. Y así narra Carmen y Cano en un constante volver hacia una historia para modificarla y volver avanzar.  Y así  tratamos de saber que pasó en el accidente, sin ser atraídos específicamente por ese hecho, sino más bien por el modo en el que la protagonista lo cuenta, fragmentado y temeroso,  tal cuál es ella. Lo mismo sucede con el gato y también con Juan. Son en relación a ella,  sólo eso.

Esta obra da cuenta del artefacto, y funciona por la mecánica que adquieren los cuerpos y las actuaciones en escena, Juan complementa a Carmen y esto se reproduce en el juego de los dos actores, mientras Gaby Ferrero avanza con sus acciones (atender el teléfono, ir a la cocina, eludir a la vecina, buscar al gato); Minetti sostiene con gestos la angustia del personaje por la sensación de encierro.  Mientras Gaby Ferrero logra esquivar por un gran instante su conflicto interno, Minetti lo evidencia.

Por último, habría que remarcar la dinámica de los cuerpos, la velocidad  en el movimiento de Carmen y el estatismo de Juan como una marca de dirección que confluye con el sentido de la obra, con la intención de sostener los miedos de la protagonista por medio del ritmo constante y por momentos uniforme que anula en gran parte a su compañero de vida. Cano mantiene con esa maquinaria, con esa energía que se ve en escena, la atención del espectador, el cual prefiere perder la ilación prolija de un cuento en pos de potenciar la  emotividad y la identificación con los personajes.


Ficha técnico artística
Autoría: Luis Cano
Dramaturgia: Luis Cano
Actuan: Gaby Ferrero, Mauricio Minetti
Vestuario: Lorena Ballestrero, Laura Rovito
Iluminación: Mariano Arrigoni
Diseño de espacio: Luis Cano
Realización escenográfica: Guillermo Manente, Vìctor Salvatore
Utilero: Lorena Ballestrero, Laura Rovito
Ilustrador: Laura Rovito
Asistencia general: Micaela Picarelli
Coreografía: Luciana Acuña
Dirección vocal: Tian Brass
Dirección: Luis Cano

Web: http://www.facebook.com/#!/photo.php?fbid=1763248873787&set=a.1686209467850.92673.1016041358&type=1&theater

ELKAFKA ESPACIO TEATRAL
Lambaré 866 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4862-5439
Web: http://elkafkaespacioteatral.blogspot.com
Entrada: $ 50,00 y $ 40,00 - Jueves - 21:00 hs

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Opresion y Ausencia

Es una obra creada y dirigida por Daniel Dagna, dramaturgo, actor, docente y actualmente director. En esta oportunidad expone “Crianzas” una fiel copia de una cruda realidad de sentimientos y conflictos humanos más íntimos, los cuales en varias ocasiones son retroalimentados en la cotidianeidad. Causas y efectos (que), se tornan recíprocos en un círculo vicioso del cual no pueden escapar.

Dagna hace un trabajo intenso con la dramaturgia y dirección de “Crianzas”,  que ahonda en los conflictos de dos hermanos con una madre opresiva y padre ausente. Para la conducción de los actores enfatiza en las acciones emocionales más profundas de cada personaje, para ello recurre a elementos simbólicos, acciones físicas, gestos y tics reiterados que se adaptan y son inherentes a los personajes.

Las actuaciones fluyen elegante y coherentemente de principio a fin, resaltando las caracterizaciones de sus intérpretes: Carmen (Liliana Teruel) con esa rigidez física y tics que son el reflejo de su represión sexual, y de su degradación. Darío (Hilario Quinteros) sumergido en un autismo que lo mantiene alejado de aquella oscura realidad y se refugia en su habitación creando su propio mundo. Lidia (Haydee Aristizabal) sufre la inmovilidad, un abandono lejano, pero sobre todo sufre el abandono de sus hijos. Ello no es más que el resultado de lo que ella teje y crea a diario a través de su sagaz lengua que martiriza, degrada y logra (así) agredir a sus hijos.

“Crianzas” cuenta con una escenografía simbólica, tripartida, realista y decadente, rasgos que suman a la temática a desarrollar. Cada uno de los espacios es la identidad y el refugio de cada uno de los personajes. Esta obra cuenta con  elementos metafóricos que son la analogía de la obra, las acciones constantes de tejer y ovillar. Las luces y la música acompañan a la puesta racionalmente.

Los vestuarios no pasan desapercibidos. Son enseres sencillos pero indiscutibles a la hora de acompañar en las caracterizaciones de los personajes. 

"Crianzas",  aborda y profundiza en la psicología intima de los personajes, creaando una tensión de encierro y oscuridad pero que se diluye rápidamente,  quedando solo mínimos rasgos... que son remontados al final. 

Ficha técnico artística

Autoría: Daniel Dagna
Actuan: Haydee Aristizabal, Hilario Quinteros, Liliana Teruel
Maquillaje: Alberto López Castell
Diseño de vestuario: Paola Delgado
Diseño de escenografía: Félix Padrón
Diseño de luces: Adrian Grimozzi, Eduardo Pérez Winter
Realización de escenografía: Félix Padrón
Realización de vestuario: Paola Delgado
Musicalización: Daniel Pragier
Asistencia de dirección: Adriano Monferolli
Prensa: Silvina Pizarro
Dirección: Daniel Dagna

PUERTA ROJA
Lavalle 3636 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4867-4689
Web:
http://puerta-roja.blogspot.com
Entrada: $ 40,00 y $ 30,00 - Viernes - 22:30 hs - Hasta el 06/05/2011

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Sábado, 09 Abril 2011 00:00

Vientos que zumban entre ladrillos

Culturar- Laura Ventura-. Diego Faturos escribe y dirige “Vientos que zumban entre ladrillos”, una emotiva pieza sobre el tedio de la vigilia y la esperanza del sueño como única liberación.
“Vientos que zumban…” es una pieza de teatro del absurdo (la academia corrige a los alumnos de Letras la nomenclatura de este género por su correcta traducción “teatro absurdo”), pero, a diferencia de otras obras de su clase, deja otro sabor, uno mucho más esperanzador.
Eugene Ionesco, justamente el padre de esta corriente por la que desfilaron Luigi Pirandello y Samuel Beckett, entre otros, es el protagonista de Vientos... El escritor huye de un mundo en destrucción, en el que las personas se confunden con sombras, y padece sus días en un refugio junto con su hija y un amigo en un habitación inundada. Tal como en Final de partida, del autor irlandés, una de estas criaturas sufre una mutilación: la niña no puede hablar, expresar el dolor o comunicarse.
En aquel refugio decadente e inundado reina una cama que los eleva de aquel dolor, aunque persista la rutina mecánica. El tiempo no es lineal, progresivo, sino que los habitantes de ese tedio constante viven sofocados por la angustia y la desolación y confunden el recuerdo con el sueño. Un cuarto personaje aparece en escena y genera el desconcierto del protagonista, pero también le recuerda que está vivo, o que alguna vez lo estuvo.
Diego Faturos, quien desde hace cinco años recorre el mundo con “La omisión de la familia Coleman” (de Claudio Tolcachir), escribió y dirigió esta pieza emotiva con la actuación de Manuela Amosa, Francisco Lumerman, Lisandro Penelas y Ana Scannapieco. Cada detalle (por ejemplo, las rayas en los trajes de los cuatro personajes ¿como condenados?) y cada palabra fueron cuidadosamente seleccionada en una obra que escapa a su género y aporta una brisa de aire fresco al espectador.
Ficha Técnico Artística
Autoría: Diego Faturos
Actuan: Manuela Amosa, Francisco Lumerman, Lisandro Penelas, Ana Scannapieco
Escenografía: Sofía Rapallini, Mariana Samman
Iluminación: Ricardo Sica
Música: Mariano Pirato Mazza
Fotografía: Diego Faturos
Diseño gráfico: Romina Ganovelli
Asistencia de escenario: Ignacio D´Olivo
Prensa: Ezequiel Hara Duck
Producción ejecutiva: Laura Lértora
Dirección: Diego Faturos
Web: http://www.vientosquezumban.blogspot.com
TIMBRE 4
Av. Boedo 640 timbre 4 / México 3554 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 35,00 - Viernes - 21:30 hs
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Trailers

  • L'amore...
  • E. 2
  • Damascus


Teo trabaja en una agencia de publicidad, por lo que trabaja esencialmente con imágenes, lo que subraya la enorme distancia que lo separa de la mujer ciega que acabará enamorándose de él.


Robert McCall (Denzel Washington) garantiza una justicia inquebrantable para los explotados y oprimidos, pero ¿cuánto de lejos llegará cuando se trate de alguien a quien ama?


Un espía vivirá el amor y la supervivencia mientras trabaja en una misión secreta en Siria.


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