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Críticas de Teatro

Otros Gritos

 

Seis mujeres… vidas que se cruzan atravesadas por un grito de rebelión.
La revuelta campesina construye partes de la historia.
En 2012 se cumple el centenario del grito de rebelión proclamado en Alcorta, 
provincia de Santa Fe, el 25 de junio de 1912.
Dijo la crítica sobre la obra:
“Calificación: Muy buena“
“El clamor de seis mujeres que perdieron a sus maridos en una interesante sucesión de monólogos.  Seis monólogos intensos que posibilitan reconocer la fortaleza de unas criaturas que se ven obligadas  a redefinir sus vidas dentro de un mundo muy hostil. 
La dramaturgia de cada monólogo expone rigurosidad en su construcción y despierta creciente interés en el espectador, por estar plagado de imágenes potentes; resulta muy atractivo y  sumamente preciso el entramado que construye desde la dirección Paula Etchebehere”.
Carlos Pacheco - La Nación
Escrita por tres talentosas dramaturgas e interpretada por seis actrices exquisitas,  bajo la dirección inspirada y rigurosa de Paula Etchebehere. El lirismo sencillo, áspero y hondo de los monólogos de cada uno de los personajes de esta historia nace en el cuerpo 
de esas seis mujeres pero atraviesa la condición humana sin distinción de género. Lo que en el espectáculo produce un efecto de verdad conmovedor es la intensidad de las actitudes corporales y la carnadura de los monólogos, a través de los cuales va construyéndose la identidad individual de cada una de esas mujeres-símbolo. El modo de pronunciar, de emitir la voz, de acentuar las frases, de elegir las palabras y modismos regionales, va tallando con detalle la idiosincrasia de cada uno de los personajes, sus genealogías y sus destinos. 
Hay que destacar la economía de recursos, inversamente proporcional a la riqueza de su rendimiento poético”.
Olga Cosentino - Puesta en Palabra


“Desde la primera imagen, donde parecen estas mujeres en ropa interior se presiente que hay una puestista notable detrás de cada una de estas escenas. Son secuencias coreografiadas, sencillas, cercanas pero de una gran belleza escénica. Las ideas de dirección de Paula Etchebehere revelan desde ingenio hasta sensibilidad para mostrar este mundo femenino, sin dejar de lado ni el humor, ni la emoción. 
Actrices de experiencia junto con otras más primerizas, pero en todas Etchebehere consigue expresividad y comunicación en primer plano, sin abandonar nunca una estética cuidada en sus más mínimos detalles.”
Ana Seoane - Revista Digital Territorio Teatral (Iuna)
 "El espectáculo dirigido por Paula Etchebehere retoma una partitura corporal dramatúrgica que se fusiona en el transcurrir de los seis monólogos de esta obra textocéntrica. Otros gritos precipita la pregunta de cuál es el grito central para que se nomine el otro. Lo que gritan pero también lo que callan las mujeres (campesinas, inmigrantes, indígenas) responderá a esos otros: los gritos de las que quedan mientras más allá están los muchachos de la huelga y posterior rebelión. La escenografía, diseño espacial y luces a cargo de un 
exquisito trabajo de Magali Acha, propone remarcar lo simbólico que ingresará para el espectador hacia el final de la obra."
Sonia Jaroslavsky - Página 12
"Un sexteto de actrices estupendas le  ponen el cuerpo y voz a esas mujeres, cada una hace uso de infinidad de matices y logran que la cadencia del hablar de una provincia (con sus dulzuras y sus gritos) se haga presente sin caer en estereotipos. Otros Gritos, es una obra que hacen conocer lo macro y lo micro de un momento histórico, con una calidad escénica que aúna fuerza y belleza."
Gabriel Peralta - Crítica Teatral
  
“Una obra deslumbrante con textos y actuaciones memorables. Una muestra notable de polifonía textual y a la vez de polifonía actoral, toda vez que tres autoras regalan sus poéticas para que Paula Etchebehere, dirija y logre la misma polifonía y dialogismo en las historias de las seis mujeres que integran el equipo que profiere los otros gritos. Seis  mujeres que tienen un denominador común, la presencia de la llanura como un horizonte que, inalcanzable no siempre devuelve a los que se van. El trabajo rudo del campo, la escasa retribución 
de una bolsa de cosecha y la necesidad de estallar una libertad que las habita y que a veces, a despecho de su voluntad desconocen pero intuyen”.  Teresa Gatto - Puesta en escena
“Monólogos que están inteligentemente entrelazados para que funcionen como diálogos. Estos parlamentos transmiten con convicción el perfil de seis mujeres campesinas condenadas a vivir en la explotación, la miseria y el tedio.  Las excelentes actuaciones transmiten con impecable dicción las entonaciones emotivas de los personajes y los cuerpos se mueven expresivamente a la vez que componen 
una suerte de coreografía. Paula Etchebehere despliega en su trabajo una destreza teatral que se patentiza en la dirección de actores y en la obtención de un clima tan poético como contundente”Germán Cáceres - Nido de Caranchos
"Un brillante drama, valiente y necesario, que presenta a seis mujeres que EL GRITO DE ALCORTA dejó viudas, y que en la escena recobran sus voces olvidadas por la historia. Las seis actrices presentan sus monólogos con una fuerza y una entrega absoluta, arrancan sus voces desde lo más recóndito de sus entrañas y se mueven sobre un escenario totalmente desprovisto, lo que hace que sus presencias y sus relatos lleven a la audiencia a ponerle forma a esa escenografía tan ausente como la vastedad de la pampa. 
La directora consiguió que su elenco de lo mejor de sí para recrear ese universo infinitamente verde y llano de aquel tiempo”
Osvaldo Sabino - Pressenta            
¨Otros gritos¨, no sólo es un canto a viva voz, de mujeres fuertes y valientes reclamando, sino que también, es un registro visual penetrante de sus rostros, de sus cuerpos, de sus actitudes y de sus formas de contar la historia.  Esta obra tiene una luminosidad especial, una manera inusual de explicitar las emociones, conjugándose drama, humor y originalidad. La Dirección general y puesta en escena (Paula Etchebehere), genera un ambiente íntimo, es como un círculo concéntrico, invitándonos a compartir, entrelazándose relatos de vida cotidiana, escuchando a sus almas sinceras. Está recomendada, por sus actuaciones, su contenido y su particular manera de pedir que las escuchen". Estela Gómez - Show On Line
La dirección y puesta en escena de Paula Etchebehere es correcta y logra con escasos recursos escenográficos hacernos creer que estamos en un pueblito de campo de principios del siglo pasado. Las autoras, casualmente mujeres, nos hablan de otras luchas, de esos otros gritos proferidos en silencio y de los que la historia habló muy poco. “La mujer está mal hecha”, dice uno de los personajes 
y esa frase resuena amargamente en la sala.” Laura Reschinga - Radio Palermo FM 94.7 
"Todas y cada una de las actrices se lucen en su papel. Los elementos que se usan a modo de escenografía evocan y construyen de manera plena los escenarios que se transitan. La dirección de Etchebhere es sutil y precisa. Se sumerge en el alma de sus actrices y logra extraer la sensibilidad que transporta al público a aquel momento de comienzos del siglo XX. Con muy buen ritmo estas historias tocarán el corazón del espectador"Gabriela García Morales - Culturar
"Diferentes son los alaridos que se escuchan sobre el escenario del Teatro del Pueblo los viernes a la noche. No son masculinamente graves ni ásperos: son gritos de mujeres desesperadas, de hembras llorosas, enojadas y encerradas en la vastedad infinita del campo. Ellas sobreviven como pueden sin sus hijos y maridos, todos agricultores que debieron abandonarlas para luchar en la revuelta que reivindicaba los derechos de los campesinos en la provincia de Santa Fé en 1912 . Una obra poderosa, que atrapa, con actuaciones magistrales"Lucía Levy - Revista Cultra
Actúan
Maia Francia, María Rosa Pfeiffer, Raquel Albéniz, 
María Forni, Silvia Trawier y Romina Michelizzi
Dirección general y puesta en escena: Paula Etchebehere
Asesoramiento en dirección de actores: Raquel Albéniz 
Autoras: María Rosa Pfeiffer, Laura Coton y Patricia Suárez
Asistencia de dirección: Daniela Martínez
Asistencia técnica: Leilen  Araudo
Vestuario: María Valeria Tuozzo
Diseño de luces y escenografía: Magali Acha
Asesoramiento vocal: Fernanda Lavía
Tema original de apertura y cierre : Lautaro Cottet
Fotografía original: Alejandra López
Trailer de prensa: Javier Olivera, Fito Pochat
Prensa: Ayni Comunicación 
Otros Gritos
Viernes 22:30 hs
Teatro del Pueblo, Sala Teatro Abierto
Av. Roque Sáenz Peña 943
Por teléfono al 4326-3606
Entradas: $60; Estudiantes y jubilados: $35
Duración de la obra: 75 min

 

Jesucristo

 Mariano Moro y Mariano Mazzei conforman un tándem que desde hace varios años vienen trabajando con brillo en  el teatro off porteño (y otras latitudes), y además son una marca registrada de calidad artística y garantía de sólidos espectáculos. Entre sus mejores creaciones esta la inolvidable y genial “Quien lo probó lo sabe” ( Seria un hermoso regalo para todos su regreso).


Jesucristo no va en saga. “La escribí pensando en el”  dirá Mariano Moro en una dramaturgia que se apoya (justamente), en el valor de la palabra,  no buscando “malabarismos” innecesarios que adornaran nada menos que una obra sobre tan singular ser.
Ahora bien,  que es lo que hace de esta nueva creación de MM alto tan conmovedor como brillante.
Mariano Mazzei compone el personaje desde su cosmovisión interior con una sutil pero furiosa fuerza que se traduce en un magna vibrante  de energía que proyecta con tanta dulzura como magnetismo.  La conmovedora composición se apoya en un texto que no tiene fisuras. Sale de su registro vocal con  tanta naturalidad como encanto. Su voz no busco empastarse en una voz engolada o imponente y esa pieza contribuyo a construir el  sólido edificio de la fascinante representación.
A medida que las citas bíblicas aparecen, mientras fluyen sus parábolas profusas, cuando conmueve con su sentido de sabiduría infinita, al ver y sentir el mar de amor incondicional de un ser como Jesucristo siempre vigente en gran parte de la humanidad, se puede sentir como luce  magistralmente  entrelazado y sin costura no solo el  propio relato y su técnica-artística, sino que logra posicionarte en un lugar donde el espectador fluye, se entrega y conmueve con  la conmovedora creación.
 
. Mazzei ha sido aquí sabiamente dirigido con una obra que asume no solo riesgos varios tanto desde el propio vamos sino que  siempre va por mas, no tocando la banquina en el intento.
Uno de los riesgos se advierte cuando rompe la cuarta pared y la propia representación trasciende hacia lo sagrado y lo ritual.   La voz de Jesucristo  se mimetiza con la  del propio actor con la cual conmueve la platea.
  Lo hace con naturalidad en  todo su trazado, saliendo por momentos del tono medular  que domina la obra, cambiando la proyección-registro vocal; gritando con fuerza y contorsionando su cuerpo en el aire, para nuevamente retornar al acompasado ritmo-cadencia-mesura que domina la obra  y al tono mesurado durante todo su recurrido.
Jesucristo no dice que pensar-decir-hacer. Con delicadeza y mano firme sugiere, logra hacer pensar, al tiempo que llega al corazón. Lo notable de la obra es que respeta una ley no escrita pero tan indeleble como sagrada y que fue algo no negociable por parte de tan magnánimo ser; no dejo escritos, no dejo pinturas, no impuso su voz, solo quiso dejar un mensaje de amor inconmensurable.
 Mariano Moro comprendió a la perfección dicho legado y junto al brillante actor que es Mariano Mazzei solo buscaron dejar con esta creación un susurro suave, poético y potente teniendo al amor  como la principal célula de su micro-macro universo.

By Hugo Manu Correa



Ficha técnico artística
Autoría: Mariano Moro
Actúan: Mariano Mazzei
Vestuario: Edgardo Aguilar
Escenografía: Edgardo Aguilar
Iluminación: Claudio Alejandro Del Bianco
Maquillaje: Monica Gutierrez
Realización de vestuario: Ana Karina González
Operación técnica: Simón Aguilar, Matías Bosco
Utilero: Edgardo Aguilar
Diseño gráfico: Marcela Burlastegui
Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Dirección: Mariano Moro
Duración: 65 minutos
Este espectáculo formó parte del evento: Festival de Teatro de Rafaela 2011
Este espectáculo formó parte del evento: Escenarios del país


TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-3606
Entrada: $ 60,00 / $ 35,00 - Domingo - 18:00 hs 
 

 

Shame

Un treintañero tiene un trabajo excelente, una vida que se ve 'resuelta', vive en pleno Manhattan con vista (espejada) a la bahía Hudson y tiene en su adicción al sexo el motor que articula (toda) su vida.
 

Steve McQueen dirigió con maestría este retrato del  hombre pos-moderno, mostrando con distancia pero quirúrgicamente la vida de Brandon (Michael Fassbender) quien vive no solo una vida agitada en lo sexual, sino que además  la consume con ferocidad, viviendo sus días despojado de contactos, de afectos y sin otra motivación que repetir sus hábitos.
 
Visceral, fuerte, sin pose, elegante y sofisticada Shame no solo muestra sin edulcorante la trastornada vida de un joven, sino que además lo hace sin  sermones ni moralina. 
 
La actualidad exige  transparencia y cada vez son menos las cosas que hay para esconder, quizás solo logren su propósito las habitaciones del hombre burgués. Todo lo demás está bajo el panóptico de la vida actual, tal como sostiene la historiadora Michelle Perrot.


Aquí Brandon vive entre estos dos signos. Se esconde psicológicamente de todos (hasta de sí mismo), pero vive expuesto  con su cuerpo (con paredes de vidrio en su propio cuarto).
Su vida acusa un cambio cuando lo visita su hermana Sissy (Carey Mulligan), quien sin proponérselo  pone en evidencia las grietas profundas en la vida de este singular personaje, signo evidente del hombre del nuevo siglo.
“Me arrinconas, me presionas… (…)’ le grita Brandon quien   defiende con vehemencia la estructura de una vida que hace agua por todos los rincones.
 
Este será uno de los dos únicos diálogos explícitos, verticales en los cuales Brandon explicita su accionar y algo de lo que subyace en la psicología de una persona tan pragmática como violenta para consigo y con los demás.
Steve McQueen quien junto a Abi Morgan está a cargo del guion,  puso como disparador del conflicto a una persona (su hermana) con mucha fragilidad pero más autentica en su vivir; ella canta, vive de manera Hippie tanto en Nueva York como en Los Angeles donde vive:  “Hago lo que puedo para cambiar, pero vos sos raro y solo tienes gran apartamento y que mas? “, denunciando así que la basura que esconde Brandon bajo la alfombra ya luce expuesta y sus comportamientos deberán ser revisados.


El relato ofrece por un lado la mirada distanciada del propio protagonista con escenas serenas y largas, y por otro lado la narración se fragmenta con flashback y flashfoward cuando el protagonista ingresa al tenebroso universo que lo gobierna y en donde su conflicto-angustia muestra toda su efervescencia.
La música (Harry Escott) apuntalando y subrayando el suspenso marca durante todo el metraje el tono del film. Este elemento técnico-artístico expresa no solo la vida enajenada del personaje, sino que manifiesta claramente las pulsiones, los estímulos de este hombre que está gobernado no solo por su frenesí sexual, sino (también) por el rol que la sociedad le ha dado.


By Hugo Manu Correa
 
 Shame
TÍTULO ORIGINAL Shame
DURACIÓN: Vídeos 99 min.
PAÍS Sección visual
DIRECTOR Steve McQueen
GUIÓN Steve McQueen, Abi Morgan
MÚSICA Harry Escott
FOTOGRAFÍA Sean Bobbitt
REPARTO Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette, Chris Miskiewicz, Jay Ferraro, Anna Rose Hopkins, Eric Miller
PRODUCTORA Film4 / UK Film Council / See-Saw Films

 

PREMIOS 2011: Festival de Venecia: Copa Volpi al Mejor actor (Fassbender), Premio FIPRESCI
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor film británico y actor (Fassbender)
2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor dramático (Fassbender)
2011: Festival de Sevilla: Mejor director, mejor actor (Michael Fassbender) (ex-aequo)
2011: Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2011: British Independent Film Awards: Mejor actor (Fassbender). 6 nominaciones.
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Michael Fassbender)
2011: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actor (Fassbender) y actriz sec. (Mulligan)
GÉNERO Drama | Erótico

 

Vuelve

 

 Dos hermanos en un apartamento. Allí conviven a los ponchazos.  Ellos son Lara (María Marull) y Julián  (Federico Buso).  El está recién llegado a la gran ciudad desde su pago: Chañar Ladea (do), La Pampa.

 
“Aquí no es así”, le dice Lara a su hermano quien azuza las aguas de lo costumbrista, de la identidad y de la cultura que los cobijo.
Julián trata de asomarse a la superficie de esta vida urbana que le es tan esquiva y distante.

 
“Aquí dicen bife de costilla y nosotros le decimos costeleta”, dice Julián defendiendo su cultura ante el huracán cultural que es Buenos Aires (aquí encarnado por su propia hermana), que arrasa y busca siempre estandarizar a las personas a su manera (“aquí es así” ( ¡!!). 
Ana –amiga de Lara- ( Melisa Freund) y Vicente (Juan Grandinetti) son dos jóvenes que llevan consigo todos los signos y códigos de la gran ciudad: viveza, sagacidad, esnobismo, oportunismo…
 
 
El ingreso de estos dos personajes aviva el conflicto. Vicente le ofrece una gran ocasión a Lara como modelo y así lograr su anhelado propósito de ser otra y re-diseñar su identidad-personalidad.

 
Como un castillo de arena esa realidad se desmorona en un abrir y cerrar de ojos. Sera la particular Melina  -una vecina- (Florencia Braier), quien con su arrojo, autenticidad y despojada de presunciones, lograra separar las aguas de los dos universos y así no solo se redimirá, sino además que llamara a las cosas por su nombre.
 
 
Vuelve es simple, natural y directa en su dramaturgia, la cual ha sido bien absorbida por todos los personajes. Cada uno de ellos naturaliza con comodidad y plasticidad cada palabra, párrafo, concepto.
 
 
La dirección marco el sendero de manera simple y sin artificios por el cual el tema transita: acciones orgánicamente bien elaboradas, discursos naturales, vínculos creíbles. Se acepta cierta inercia en alguna escena dado que justamente son dos los protagonistas que pulsan la historia y su convivencia es una lucha entre el ritmo frenetico de la gran city y lo cansino que los gobierna (dado el pago de donde proceden).

 
Quizas el cierre sea una cuestión a revisar.  Esa guitarra, esa canción, esa poetica que los recorre llena de ternura a los dos chicos de un pueblo era una (la) opción para un mejor cierre, aunque la obra no desentona y termina su recorrido de buena manera. 

 
Obra nada pretensiosa, cálida, bien actuada,  con sonrisas que aparecen en varias ocasiones, con el tema de la identidad cultural bien plasmada y que logra un clima tan simple, dulce y querible como el pago de donde provienen Lara y Julián.
 
By Hugo Manu Correa
 
 
Ficha técnico artística
 
Autoría: Paula Marull
Actúan: Florencia Braier, Federico Buso, Melisa Freund, Juan Grandinetti, María Marull
Vestuario: Jam Monti
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de luces: Matías Sendón
Diseño gráfico: Natalia Milazzo
Asistencia general: Marien Cano Moreno
Asistencia de dirección: Fernando Ferrer
Prensa: Carolina Alfonso
Producción general: Paula Marull
Dirección: Paula Marull
Duracion: 70 minutos 
 
ELKAFKA ESPACIO TEATRAL
Lambaré 866 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
TE:             4862-5439      
Entrada: $ 50,00 / $ 40,00 - Viernes - 23:30 hs - Hasta el 04/05/2012 

 

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